LOS ÁNGELES (AP) — Mientras los aficionados se quitaban las gorras y se ponían de pie para el himno nacional el sábado por la noche en el Dodger Stadium, se encontraron con una sorprendente interpretación de “The Star-Spangled Banner”. La cantante de pop latino y R&B Nezza se paró frente a la multitud, cerró los ojos y cantó la canción a todo pulmón, en español.

Su interpretación de 90 segundos y un video detrás de escena que compartió en las redes sociales de representantes del equipo desaconsejándola de antemano se volvieron virales rápidamente y se convirtieron en un punto de conflicto para los fanáticos de los Dodgers frustrados por la falta de apoyo vocal del equipo a las comunidades inmigrantes afectadas por las redadas de deportación en todo Estados Unidos, incluidos numerosos vecindarios en Los Ángeles y sus alrededores.

Las protestas por los arrestos realizados por agentes de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos han captado la atención internacional y en su mayoría se han llevado a cabo en zonas cercanas al Dodger Stadium.

Nezza dice que incluso después del desánimo del representante del equipo, todavía no había decidido si cantar en inglés o en español hasta que salió al campo y vio las gradas llenas de familias latinas vestidas de azul de los Dodgers.

“Este es mi momento para demostrarles a todos que estoy con ellos, que tenemos voz y que con todo lo que está pasando, no está bien. Estoy súper orgullosa de haberlo hecho. No me arrepiento”, declaró la cantante de 30 años a The Associated Press.

El equipo aún no ha hecho ninguna declaración oficial sobre los arrestos y las redadas.

El mánager Dave Roberts ha dicho que no sabe lo suficiente sobre el tema como para comentar, pero el bateador de los Dodgers Kiké Hernández habló por separado en Instagram durante el fin de semana.

“Me entristece y me indigna lo que está sucediendo en nuestro país y nuestra ciudad”, dijo en una publicación en inglés y español. “No soporto ver cómo nuestra comunidad es violada, discriminada, abusada y destrozada. Todas las personas merecen ser tratadas con respeto, dignidad y derechos humanos”.

La respuesta a la interpretación del himno de Nezza

En su video viral de TikTok, se muestra a Nezza hablando con un empleado de los Dodgers fuera de cámara que le dice: "Hoy vamos a hacer la canción en inglés, así que no estoy segura de si eso no se transfirió o si no se retransmitió". Ella ha recibido una gran cantidad de apoyo desde el sábado de celebridades como Jason Mraz, Kehlani, Chiquis, Ava DuVernay, The Kid Mero, Becky G y más.

“No se atrevan a darnos la espalda ahora. Como ciudad, los hemos abrazado y necesitamos su apoyo más que nunca. Piensen en quién llena su estadio”, dijo Becky G, dirigiéndose a los Dodgers en su historia de Instagram.

La versión en español que cantó Nezza, “El Pendón Estrellado”, es la traducción oficial del himno nacional y fue encargada en 1945 por el presidente Franklin D. Roosevelt a la compositora peruano-estadounidense Clotilde Arias.

Nezza afirma que su manager recibió inmediatamente una llamada de un empleado no identificado de los Dodgers, quien le informó que sus clientes no eran bienvenidos de nuevo en el estadio. Sin embargo, el equipo de béisbol declaró a la AP: "No hubo consecuencias ni resentimientos por parte de los Dodgers por su actuación. No le pidieron que se fuera. Nos encantaría tenerla de vuelta".

La historia de los Dodgers con los latinos y los inmigrantes en Los Ángeles

El Dodger Stadium tiene una larga historia con las comunidades inmigrantes en Los Ángeles.

Muchos visten con orgullo las camisetas y productos azules de los Dodgers como una extensión de su amor por la ciudad (el equipo todavía vende camisetas especiales de "Los Dodgers" en su sitio web oficial) y asisten a las múltiples noches de homenaje al patrimonio del estadio, que honran a las comunidades mexicanas, salvadoreñas, guatemaltecas y otras comunidades inmigrantes, incluyendo aquellas de fuera de Latinoamérica. La afición de los Dodgers es mayoritariamente latina, y el equipo es uno de los pocos que ofrece transmisiones de televisión en español.

La franquicia también es frecuentemente elogiada por su historia de búsqueda de talentos diversos, incluidos Jackie Robinson (el primer jugador negro de béisbol), Fernando Valenzuela (un ícono mexicano que trascendió el béisbol) y Chan Ho Park (el primer coreano en las grandes ligas).

Pero la relación no está libre de tensiones: algunos residentes mexicano-americanos y latinos están resentidos por el desalojo forzoso de familias latinas por parte del equipo en los años 1950 para construir el Dodger Stadium en lo que popularmente se conoce como Chavez Ravine.

Desde entonces, los fanáticos han pedido un boicot en línea, mientras que otros dicen que estarían dispuestos a regresar si el equipo se pronunciara.

“Te queremos. Has sido una parte fundamental de nuestras vidas… Nos gustaría entender que nos quieres igual. ¿O solo somos dinero para ti?”, preguntó Letty Peniche, presentadora de Brown Bag Mornings de Power 106, en un video de Instagram.

Alora Murray, residente de Los Ángeles, está considerando un boicot temporal.

“Nadie se anda con rodeos”, dijo Murray. “Los Ángeles se basa en los Dodgers. Si no nos apoyan, creo que boicotear o no ir a los partidos transmitiría ese mensaje”.

Los fanáticos citan inconsistencias sobre las posturas políticas de los Dodgers

Muchos en la comunidad latina han estado compartiendo videos de personal de seguridad del estadio confrontando a fanáticos que tienen carteles o mensajes políticos en su ropa.

Emeli Avalos, fanática de los Dodgers desde hace mucho tiempo, dice que no cree que el equipo sea apolítico desde que emitieron una declaración para condenar el ataque de Hamas del 7 de octubre de 2023 contra Israel.

"Si de verdad se trata de mantenerse al margen de la política, ¿por qué lo apoyan? Pero cuando secuestran a gente de la calle, ¿por qué guardan silencio?", preguntó.

Avalos asistió a la Noche del Orgullo el 13 de junio con una camiseta que decía "Abolir ICE" en la parte delantera y "FDT" (acrónimo de una grosería dirigida al presidente Donald Trump) en la espalda. En un popular video de TikTok, se ve a Avalos hablando con el personal de seguridad de los Dodgers. Dice que pensó que le pedirían que se fuera, pero en cambio le pidieron que cubriera la espalda de la camiseta con su jersey.

“Me dijeron: ‘La parte delantera está bien, sólo tienes que cubrir la parte trasera’”, dijo Avalos, quien dijo que no regresará al estadio.

Otro video de un fanático siendo confrontado por personal de seguridad por sostener una pancarta con la palabra “ICE” tachada circuló en línea durante el fin de semana, lo que aumentó las críticas al equipo.

Al ser preguntado sobre los incidentes, un portavoz de los Dodgers mencionó las normas del estadio del equipo, que establecen que "no se permiten letreros ni pancartas de ningún tipo". También se prohíbe cualquier atuendo que los Dodgers consideren, a su entera discreción, obsceno, profano, vulgar, indecente, violento, amenazante, abusivo o que incite a prejuicios contra cualquier individuo o grupo.

Nezza no cree que regrese al estadio, a pesar de la declaración de los Dodgers, pero dice que espera que su actuación inspire a otros a usar su voz y alzar la voz.

"Me ha demostrado cuánto poder tiene la comunidad latina", dijo. "Tenemos que ser la voz ahora mismo".

LESLIE AMBRIZ es una periodista de entretenimiento bilingüe radicada en Los Ángeles. Reporta principalmente sobre cine, televisión y música para The Associated Press.

(Foto AP/Jessie Alcheh, Archivo)

NUEVA YORK (AP) — Cincuenta años después de que “Tiburón” nos hundiera los dientes, todavía admiramos la marca de la mordedura.

La película de 1975 de Steven Spielberg , su segundo largometraje, dejó tal huella en la cultura y en Hollywood que desde entonces casi ninguna ida al cine, y mucho menos a la playa, ha sido igual.

Pocas películas se han adaptado mejor a su época y lugar que "Tiburón", que hace medio siglo se estrenó en todo el país en un estreno masivo, entonces novedoso, acompañado de la campaña publicitaria de Universal Pictures durante el fin de semana de estreno. "Tiburón" no fue la primera película en intentar conquistar a los espectadores de un solo bocado (unos años antes, "El Padrino" prácticamente lo intentó), pero "Tiburón" estableció, y aún define, en muchos sentidos, la película del verano.

Esto sitúa a "Tiburón" en el nacimiento de una tendencia que desde entonces ha consumido Hollywood: la era de los éxitos de taquilla. Cuando se estrenó en 409 cines el 20 de junio de 1975 y recaudó la entonces cifra récord de 7,9 millones de dólares en sus primeros días, "Tiburón" sentó las bases para todas las películas de acción, superhéroes o dinosaurios que han intentado triunfar en verano: una época de poca actividad en los cines antes de que llegara "Tiburón".

Y, sin embargo, el legado de "Tiburón" es mucho más que ser el éxito de taquilla original de Hollywood. Es imposible, 50 años después, ver la película de Spielberg y ver solo el comienzo de un éxito de taquilla, o el pez más pálido que inspiró. Es una película demasiado buena —y demasiado diferente a tantas aspirantes desde entonces— como para ser simplemente innovadora. Es una obra maestra por derecho propio.

“Recargó el lenguaje del cine”, dice el cineasta Robert Zemeckis en el próximo documental “Jaws @ 50: The Definitive Inside Story”, que se estrenará el 10 de julio en National Geographic.

Ese documental, con la participación de Spielberg, es solo una pequeña parte de las festividades que han acompañado el aniversario de la película. Martha's Vineyard, donde se rodó "Tiburón", acogerá desde conciertos hasta disfraces de perros inspirados en la película. "Tiburón" se podrá ver en Peacock hasta el 14 de julio, además de una emisión en horario estelar el viernes por NBC, con una introducción de Spielberg. El aniversario de "Tiburón" se siente casi como una fiesta nacional, y con razón.

Pero si bien "Tiburón" es una de las películas más influyentes de la historia, Hollywood no siempre ha aprendido las lecciones correctas. La idea de "Vas a necesitar un barco más grande" quizás se ha tomado demasiado literalmente en películas que se han basado demasiado en la escala y el espectáculo, cuando ninguno de estos factores tenía mucho que ver con la brillantez del clásico de Spielberg.

Para el 50° aniversario de la película, analizamos algunas de las cosas que el Hollywood actual podría aprender de “Tiburón” 50 años después.

Jake Coyle ha estado escribiendo sobre películas para AP desde 2013. Ha visto “Tiburón” al menos una docena de veces y se la proyectó a sus hijos cuando eran demasiado pequeños para verla.

Color local

Cada vez que vuelvo a ver “Tiburón” (algo que recomiendo mucho hacer en una pantalla proyectada, incluso sobre una sábana, y preferiblemente con el océano cerca), me maravillo de lo mucho que se beneficia de su ambientación en Martha’s Vineyard.

El lugar donde se filman las producciones cinematográficas estadounidenses ha sido un tema candente últimamente . Diversos incentivos suelen determinar las locaciones de rodaje, y la decoración de escenarios o la CGI se encargan del resto. Pero "Tiburón" demuestra cuánto más que créditos fiscales se puede obtener de una locación.

Spielberg estaba convencido de que la adaptación de la novela de Peter Benchley, inspirada en sus veranos de infancia en Nantucket, no debía realizarse en estudios de sonido. Tras explorar la costa atlántica, se decidió por la isla vecina de Nantucket. Al igual que su primera película, "Duelo", ambientada en el desierto de Mojave, Spielberg quería que su tiburón mecanizado nadara en un lugar real y definido.

“Sentí lo mismo con 'Tiburón'”, dice Spielberg en el documental. “Quería ambientarme en la naturaleza para que hubiera cierta verosimilitud. Así que tenía que estar en el océano, en alta mar”.

No fue fácil. El presupuesto de "Tiburón" casi se triplicó hasta los 9 millones de dólares y el rodaje se extendió de 55 a 159 días. Spielberg nunca volvería a estar bajo presión financiera por una película, pero la tortuosa producción de "Tiburón" lo puso bajo la lupa. Un informe de AP de 1975 comenzaba: "Es noticia cuando un director de cine de 26 años se excede en 2 millones de dólares del presupuesto y dos meses y medio del plazo, y logra evitar ser despedido".

Más que en ningún otro momento de su carrera, Spielberg se preocupó.

“'Tiburón' fue mi Vietnam”, le dijo a Richard Schickel. “Básicamente, eran gente ingenua contra la naturaleza, y la naturaleza nos vencía a diario”.

También infundió en cada centímetro del marco el sabor de una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra de una manera que ningún estudio de sonido o CGI podría jamás.

Menos es más

Cuando Spielberg estaba listo para empezar a rodar, su estrella no lo estaba. El tiburón mecanizado, apodado "Bruce" en honor al abogado del director, sufría frecuentes fallos que obligaron a Spielberg a buscar diferentes enfoques para rodar sus escenas con tiburones al principio de la película.

En cambio, "Tiburón" se convirtió, para Spielberg, en una especie de homenaje a "Psicosis" de Alfred Hitchcock. El suspense provenía menos del tiburón que del miedo a lo desconocido y de esa pregunta escalofriante: ¿Qué hay en el agua? Spielberg, con la importante ayuda de la icónica banda sonora de John Williams, retrasó la aparición del tiburón blanco hasta bien entrada la película.

“La elipsis visual”, escribió la crítica Molly Haskell, “creó una amenaza y un terror mucho mayores, ya que el tiburón no está en ninguna parte y sí en todas”.

Spielberg estimó una vez que los retrasos mecánicos de Bruce sumaron 175 millones de dólares a la taquilla de la película. En su estreno, "Tiburón" recaudó 260,7 millones de dólares en Estados Unidos en 1975. Ajustado a la inflación, eso equivale a unos 1500 millones de dólares. Hoy en día, el tiburón casi con toda seguridad se habría terminado, como la mayoría de las criaturas cinematográficas, con animación por computadora. Pero "Tiburón" demostró que, a menudo, la fuente más poderosa del miedo es nuestra imaginación.

A escala humana

Esta es la época del año en la que el destino del mundo a menudo pende de un hilo. Todo tipo de películas de verano no han tenido reparos en destruir ciudades por un simple detalle argumental. Sin embargo, a pesar de todo su terror, "Tiburón" solo presenta unas pocas muertes. Todo su drama es a escala humana. Comparada con éxitos de taquilla más imponentes de la actualidad, "Tiburón" se consideraría una película modesta de presupuesto medio.

En parte por eso es casi inevitable recordar que la película solo tiene tres personajes principales: Martin Brody (Roy Scheider), Matt Hooper (Richard Dreyfuss) y Quint (Robert Shaw). La directora de casting, Sherry Rhodes, llenó el reparto con lugareños de la isla, muchos de los cuales aportan a la película pequeños momentos de humanidad cotidiana. En ese sentido, "Tiburón" se siente más como una comunidad que como un elenco.

Escapismo con algo que decir

Por un lado, "Tiburón" tenía poco que ver directamente con su época. La guerra de Vietnam acababa de terminar. El escándalo Watergate acababa de provocar la dimisión del presidente Nixon. La conmovedora historia de un tiburón en la costa de Massachusetts prometía una vía de escape.

Sin embargo, “Tiburón” ha perdurado como una parábola del capitalismo, utilizada una y otra vez para ilustrar esos enfrentamientos interminables entre el dinero y la seguridad social.

“Amity es un pueblo de verano”, dice el alcalde de Amity, Larry Vaughn (Murray Hamilton), en la película. “Necesitamos dólares de verano”.

El tiburón se lleva la canción principal y el póster de la película, pero el verdadero villano de "Tiburón" viste un traje a rayas y sonríe a las cámaras. "Como pueden ver, es un día precioso y las playas están abiertas", dice. Más que el depredador del océano, él y el pueblo se dan un festín de carne humana.

'Tiburón' es intocable

Hay muchísimas películas, incluyendo las tres secuelas posteriores, que han intentado en vano capturar algo de la magia de "Tiburón". Pero lo que ocurrió en junio de 1975, y mucho menos en Martha's Vineyard el año anterior, no se puede repetir. Incluso las mejores películas son producto de mil pequeños milagros. ¿Ese título? Benchley lo ideó minutos antes de ir a imprenta. El icónico póster surgió de la pintura de Roger Kastel para el libro. Scheider, por ejemplo, se enteró de la película al escuchar a Spielberg en una fiesta. Williams se basó en tan solo dos notas para una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine.

Pero ningún ingrediente importaba más en "Tiburón" que el hombre tras la cámara. Talentos cinematográficos como Spielberg aparecen quizás un par de veces cada siglo, y en "Tiburón", emergió de forma espectacular. Lo que quizás más impactante de "Tiburón" 50 años después es lo mucho que aún no se parece a nada más.

Jake Coyle ha estado escribiendo sobre películas para AP desde 2013. Ha visto “Tiburón” al menos una docena de veces y se la proyectó a sus hijos cuando eran demasiado pequeños para verla.

Jake Coyle ha sido crítico de cine y ha cubierto la industria cinematográfica para The Associated Press desde 2013. Tiene su sede en la ciudad de Nueva York.

(Peacock/Universal Pictures vía AP)

LONDRES (AP) — Los seguidores del grupo de hip-hop en idioma irlandés Kneecap se congregaron el miércoles en las aceras afuera de un tribunal de Londres mientras un miembro del trío enfrentaba un cargo relacionado con terrorismo en lo que él dice es un esfuerzo con motivaciones políticas para silenciar el apoyo de la banda a los palestinos antes de su aparición en el Festival de Glastonbury .

El rapero Mo Chara, cuyo verdadero nombre es Liam Óg Ó hAnnaidh, fue puesto en libertad bajo fianza incondicional tras la audiencia en el Tribunal de Magistrados de Westminster. Su próxima comparecencia ante el tribunal está programada para el 20 de agosto.

El único cargo contra Chara se deriva de un concierto del 21 de noviembre en el norte de Londres donde ondeó una bandera de Hezbolá de una manera que despertó una "sospecha razonable" de que apoyaba al grupo militante libanés, que está prohibido en Gran Bretaña como organización terrorista, dijo el Servicio de Policía Metropolitana en un comunicado el mes pasado.

El fiscal Michael Bisgrove dijo al tribunal el miércoles que Chara no estaba siendo procesado por su apoyo a los palestinos ni por sus críticas a Israel.

“Tiene todo el derecho a expresar sus opiniones y solidaridad, como cualquier otra persona”, dijo Bisgrove. “La acusación en este caso es completamente distinta y se refiere a una grabación de video que muestra que, en noviembre del año pasado, el Sr. O hAnnaidh portó y exhibió la bandera de Hezbolá, una organización terrorista proscrita, mientras decía: '¡Arriba Hamás, arriba Hezbolá!'”.

Kneecap, que rapea sobre drogas, la vida de la clase trabajadora y la reunificación de Irlanda, ha apoyado la causa palestina durante la guerra de Gaza . La banda ha sido el centro de la controversia en Gran Bretaña desde el año pasado, cuando el gobierno anterior intentó bloquear una subvención artística para la banda, alegando su política antibritánica. Esta decisión fue revocada tras la victoria del Partido Laborista en las elecciones parlamentarias del año pasado y la toma de posesión del primer ministro Keir Starmer.

El trío tiene previsto actuar en Glastonbury el sábado, junto a artistas como Neil Young y Olivia Rodrigo. Este festival de música, con gran repercusión internacional, dura cinco días y atrae cada verano a unas 200.000 personas a una granja a las afueras del pequeño pueblo del oeste de Inglaterra.

Al entrar al juzgado, los tres miembros de Kneecap, oriundos de Irlanda del Norte , hicieron un gesto de aprobación con el pulgar hacia cientos de simpatizantes que se habían reunido afuera, agitando carteles que decían: “Liberen a Mo Chara” y “Defiendan a Kneecap”.

El grupo ha dicho repetidamente que no apoya a Hezbolá ni a Hamás y que no aprueba la violencia.

Antes de la audiencia, la banda colocó vallas publicitarias por todo Londres con el lema «Más negros, más perros, más irlandeses, Mo Chara». El mensaje evoca los carteles que los caseros colocaban en las ventanas de algunas pensiones londinenses en la década de 1950, que decían «No negros, no perros, no irlandeses».

“Los tribunales británicos llevan mucho tiempo acusando a personas de Irlanda del Norte de 'terrorismo' por delitos que nunca cometieron”, declaró Kneecap en un comunicado publicado en redes sociales. “Los combatiremos. Venceremos”.

Por  DANICA KIRKA

(Foto AP/Kin Cheung)

Elio es un niño solitario de 11 años que sólo busca grandes respuestas sobre la vida.

Recientemente perdió a sus padres, las únicas personas que lo comprendían y lo querían, y lo único que parece darle consuelo y esperanza es la idea de que no estamos solos en el universo. Así que, en la última película de Pixar (en cines el viernes), emprende una campaña para que los extraterrestres lo abduzcan. Básicamente, esto implica tumbarse en la playa y esperar, mientras sus notas en la arena se vuelven cada vez más desesperadas. Hasta que un día funciona.

Es una premisa sólida que, vista desde cierta perspectiva, tiene todo lo necesario para ser una película clásica de Pixar. Es existencialista, pero tierna. Podría hacerte llorar y también querer comprar un peluche de Glordon. Glordon (Remy Edgerly) es el joven extraterrestre dentado, con aspecto de babosa y sin ojos, que se hace amigo de Elio (Yonas Kibreab).

Desde una perspectiva más cínica, sin embargo, tampoco se aleja mucho de la fórmula. Es otro niño que se da cuenta de que lo que lo hace diferente podría ser simplemente su poder secreto, desarrollado a una escala fantástica y exagerada. Es seguro y familiar, pero también quizás un poco cansado. "Elio" podría incluso ser la película que te hará desear que Pixar moderara las sesiones de autoayuda. Padres muertos y un niño con una sola lágrima corriendo por su rostro es una forma brutal de comenzar una película de aventuras intergalácticas para toda la familia. Nos hemos preocupado por protagonistas con un trauma mucho menos inmediato.

Elio y su tía Olga ( Zoe Saldaña ) apenas se sostienen cuando los conocemos viviendo en una base militar. Ella tuvo que abandonar sus sueños de ser astronauta para ser la principal cuidadora de Elio, y él es un sujeto delicado: consumido por un dolor que no puede verbalizar y que canaliza todas sus energías en la búsqueda de comunicarse con extraterrestres. Olga lo intenta, pero se siente abrumada, y Elio se siente como una carga. Además, parece no poder evitar meterse en problemas, ya sean los que él mismo crea o en defensa propia contra un abusador local. No es de extrañar que quiera huir a un mundo de conocimiento infinito, dispositivos antigravedad activados por voz y colores espectaculares.

Pero la vida en el cosmos tampoco es un paseo por el parque. Elio se ve inmediatamente envuelto en una red de mentiras, en la que convence a los (según nos dicen) sabios extraterrestres del Communiverso de que él es el líder de la Tierra. ¿Fingir hasta que lo consigas, al estilo Pixar? Lo envían a negociar con Lord Grigon (Brad Garrett), un líder belicista que quiere liderar el Communiverso, y aprende técnicas como "empezar desde una posición de poder" y usar una "moneda de cambio". Como la mayoría de las películas de Pixar, se construye hacia un mensaje de empatía. Pero durante un buen rato también se nos enseña algo parecido al arte del trato.

"Elio" es el trabajo de muchas personas: hay tres directores acreditados, Adrian Molina ( "Coco" ), quien dejó el proyecto pero conserva el crédito, Madeline Sharafian y Domee Shi ("Turning Red"), y tres guionistas acreditados involucrados. Y la historia se extiende en muchas direcciones diferentes, lo que hace que la experiencia en general sea un poco inconexa y forzada. Es más divertido cuando permite que sus personajes infantiles sean niños: Elio y su nuevo amigo Glordon se divierten jugando en el Communiverso. Pero la película tarda mucho en llegar allí. Las imágenes deslumbrantes solo te llevarán hasta cierto punto. Y esas no están exentas de placeres y homenajes irreverentes a los tropos cinematográficos de varios géneros. Una de las secuencias más cuestionablemente intensas involucra un poco de horror de cuerpo clonado, pero tal vez sea un adulto proyectando un elemento de horror en algo que un niño podría encontrar divertido.

Hay un buen mensaje general sobre la aceptación paternal y el amor incondicional; siempre lo hay. Pero al ser tan segura y familiar, a "Elio" le falta un poco de esa magia y picardía de Pixar.

“Elio”, estreno de Walt Disney Company en cines el viernes, tiene clasificación PG (Apta para todos los públicos) por la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por sus “elementos temáticos, algo de acción y peligro”. Duración: 99 minutos. Dos estrellas y media de cuatro.

Lindsey Bahr ha sido escritor y crítico de cine para The Associated Press desde 2014.

(Disney/Pixar via AP)