Dia DSe suponía que el Día D tendría lugar el 5 de junio de 1944. La historia de por qué finalmente se celebró el 6 de junio se ha perdido un poco en la historia, eclipsada por los acontecimientos más importantes que la rodearon.
Un solo día puede parecer insignificante en el contexto general, pero representó un retraso trascendental en los planes para la invasión sin precedentes y audaz, que desplegaría a casi 160.000 soldados aliados en Normandía. En última instancia, todo se redujo a la recomendación de un astuto meteorólogo escocés, el capitán de grupo James Stagg, quien tuvo que comunicar a todos, incluyendo al general Dwight D. Eisenhower y al mando aliado, algo que no querían oír: el clima iba a ser catastróficamente malo. Y no, no estaba seguro de ello.
Las tensas 72 horas previas a la invasión cobran vida en "Pressure", que se estrena en cines el 29 de mayo , en vísperas del 82.º aniversario de la operación. Adaptación de la aclamada obra de teatro de David Haig, la película arroja luz sobre este episodio histórico que cambiaría el curso de la Segunda Guerra Mundial.
Los estilos tan diferentes de Brendan Fraser y Andrew Scott
El cineasta Anthony Maras reunió a un grupo singular de actores para la tarea, recurriendo a Brendan Fraser para interpretar a Eisenhower y a Andrew Scott para interpretar a Stagg.
“No me creía un Ike Eisenhower cuando Anthony Maras me envió el guion”, dijo Fraser. “Tuve una videollamada por Zoom y me dijo: ‘Tienes que hacer este papel’. ¿Yo? ¿Por qué? ‘Porque es como tú, es como tú. Es un tipo normal y corriente’. ¿En serio? O sea, yo pensaba que Eisenhower era, ya sabes, severo, firme, algo así como un personaje de cuento”.
Fraser se preparó a conciencia, leyendo y escuchando todo lo que caía en sus manos para comprender al hombre que, en última instancia, tendría que tomar la decisión. La investigación continuó incluso en el set. Maras recordó entre risas que, justo antes de rodar el famoso discurso de Eisenhower a los soldados, marineros y aviadores, que habían ensayado muchísimas veces, levantó la vista y vio a Fraser leyendo otra biografía. Pero apreció que el ganador del Óscar se apasionara por saber todo lo posible para hacerlo bien.
“Él se preocupaba profundamente por sus tropas”, dijo Fraser. “Era mi responsabilidad honrar su memoria y comportarme de una manera que humanizara las decisiones aparentemente teóricas que conlleva una operación tan masiva como esta”.
Scott tenía una visión completamente opuesta a la de su papel. Si bien leyó el libro de Stagg y quería familiarizarse con la jerga metrológica que tendría que usar, y aunque la historia era importante, para él el carácter era primordial. Le gustaba que Stagg no fuera la persona más simpática a primera vista, pero sí una persona íntegra.
“Lo que pasa con Stagg es que no le interesa el encanto… ni caerle bien a nadie”, dijo Scott. “Creo que eso es admirable, porque simplemente está ahí para hacer su trabajo. Así que me gusta que al principio de la película pienses: ‘Vaya, este tipo no es nada agradable’”.
Maras dijo que, para Scott, todo giraba en torno a la vida interior y emocional del personaje, algo esencial para un papel que requeriría tanto conflicto interno.
“Andrew tiene una cualidad especial: aunque parezca que no está haciendo nada —está sentado, arreglándose la corbata, leyendo la guía telefónica—, no puedes apartar la mirada”, dijo Maras.
A la sombra de 'Salvar al soldado Ryan'
Los actores no eran los únicos que sentían la presión de la tarea: Maras también tenía un desafío enorme al intentar escenificar, aunque fuera brevemente, el desembarco de Normandía.
“Quizás hay que estar un poco loco para intentarlo, teniendo en cuenta lo magistral que lo hizo Spielberg”, dijo Maras.
Pero a diferencia de «Salvar al soldado Ryan», que se centraba en los hombres que desembarcaban en la playa, «Presión» trata sobre quienes toman las decisiones. Es una perspectiva diferente. Aun así, una vez que deciden partir, es necesario mostrar al menos parte de la operación para contrastarla con la «atmósfera tensa y opresiva de la sala de control», dijo Maras.
Inspirado por el documental de Peter Jackson sobre la Primera Guerra Mundial, "They Shall Not Grow Old", y por la existencia de decenas de horas de película en blanco y negro de 35 mm en perfecto estado del evento, Maras decidió que quizás el material de archivo, coloreado, sería la mejor opción. Era una forma diferente de presentar el Día D que le daba inmediatez, dijo, en lugar de simplemente recrear la historia.
La relevancia de la "presión" en la actualidad
En definitiva, «Presión» no es solo una lección de historia, ni siquiera un drama de personajes con grandes personalidades y mucho en juego: es un retrato del liderazgo y el ego chocando con los hechos y la ciencia. Y su relevancia en la actualidad es la razón por la que Maras quiso hacer la película.
“¿Cómo se aporta la mejor versión de uno mismo para tomar una decisión? ¿Cómo se tiene la humildad de reconocer cuando uno desconoce algo? ¿Y cómo se tiene la sabiduría para discernir en quién confiar?… Eisenhower, al final, demostró ser un maestro en eso”, dijo Maras. “Lo que me encanta del personaje de Stagg es que se siente obligado a decirle a alguien algo que no quiere oír, algo que se resiste con todas sus fuerzas, pero que necesita oír. El mundo necesita más gente así”.
Años después, John F. Kennedy, camino a su propia toma de posesión, le preguntó a Eisenhower qué les había dado ventaja en el Día D. ¿Su respuesta? «Teníamos mejores meteorólogos que los alemanes».
«Cuando la vida o la muerte dependen de que entiendas los hechos, probablemente sea mejor dejar de lado las tonterías y llegar al grano», dijo Maras. «Es un ejemplo muy claro de una época en la que el futuro de los mundos aliados estaba en juego y escucharon a alguien que sabía de lo que hablaba, y les fue bien».
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LINDSEY BAHR ha sido crítico y redactor de cine para Associated Press desde 2014.
(Foto AP/Chris Pizzello)
Sony RollinsNUEVA YORK (AP) — Sonny Rollins, el saxofonista tenor y genio incansable cuyo tono audaz y distintivo y su constante experimentación lo mantuvieron a la vanguardia del jazz durante más de 50 años, falleció el lunes a los 95 años.
La portavoz Terri Hinte declaró a la agencia Associated Press que Rollins falleció en su domicilio en Woodstock, Nueva York. No especificó la causa de la muerte, pero indicó que había permanecido prácticamente confinado en su casa durante los últimos dos años debido a diversos problemas de salud.
Desde sus inicios como joven prodigio hasta su trabajo en solitario más mesurado y su experimentación con el free jazz, Rollins fue venerado por su habilidad para la improvisación. Fue uno de los últimos grandes exponentes vivos de la era del bebop y, junto con John Coltrane y Charlie Parker, uno de los saxofonistas más influyentes de su tiempo.
Los aficionados al rock pudieron disfrutar de su música con el álbum de los Rolling Stones de 1981, "Tattoo You", que incluye el melancólico solo de saxofón de Rollins en la balada "Waiting on a Friend", ideada después de ver bailar a Mick Jagger.
A pesar de su éxito duradero, Rollins nunca estuvo del todo satisfecho con su arte, y en ocasiones se tomaba largos descansos de la música y adoptaba constantemente nuevos estilos eclécticos.
Siempre se refería a sí mismo como "un trabajo en progreso", diciendo que no era de esos artistas que se conforman con una sola forma de tocar.
Si bien sus primeros trabajos de bebop fueron los más populares entre sus seguidores, Rollins nunca miró atrás, afirmando que le resultaba "insoportable" incluso escuchar los fallos de sus grabaciones más antiguas.
“No me considero un músico que haya aprendido todo lo que quiero aprender”, declaró a Associated Press en 2007.
Logros perdurables
En las décadas de 1990 y 2000, Rollins lanzó una serie de álbumes aclamados por la crítica. Mantuvo una rigurosa rutina de práctica y continuó de gira hasta bien entrados los ochenta. La fibrosis pulmonar, un engrosamiento y daño de los pulmones, finalmente lo obligó a retirarse. Dio su último concierto en 2012 y dejó de tocar definitivamente en 2014.
Si bien echaba de menos la adoración del público, echaba aún más de menos jugar.
“Al principio di un par de conciertos al aire libre por la tarde”, declaró al New York Times en 2020. “Pude mirar al cielo y sentí una conexión; sentí que formaba parte de algo. No de la multitud. De algo más grande”.
Su álbum de 2001, “This is What I Do”, le valió un premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz. Volvió a ganar en 2006 al mejor solo instrumental de jazz por “Why Was I Born?”.
«Why Was I Born» pertenecía al álbum «Without a Song: The 9/11 Concert», una grabación en directo de una actuación en Boston tan solo cuatro días después de los atentados del 11 de septiembre. Rollins, que había sido evacuado de su apartamento a pocas manzanas de la zona cero, siguió adelante con el concierto a instancias de su esposa y representante, Lucille. Ella falleció en 2004.
Le sobreviven un sobrino, Clifton Anderson, y sus sobrinas Vallyn Anderson y Gabrielle DeGroat.
Conocer a los grandes
Rollins tuvo su gran oportunidad a finales de su adolescencia, cuando fue invitado a unirse a la banda de Thelonious Monk. Pronto empezó a tocar con Miles Davis y Bud Powell, quienes lo introdujeron en el mundo de la grabación incluso antes de terminar la escuela secundaria.
Pero, al igual que muchos músicos de jazz a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, la estrella emergente de Rollins estuvo a punto de desvanecerse cuando se volvió adicto a la heroína a los 19 años. A medida que su adicción empeoraba progresivamente, Rollins cumplió dos condenas de cárcel —diez meses en 1950 y tres meses en 1953— y finalmente terminó viviendo en las calles de Chicago. En 1954, Rollins ingresó voluntariamente en un hospital de Lexington, Kentucky, para someterse a un tratamiento contra la drogadicción.
Tras dejar las drogas, experimentó un despertar espiritual.
“Empecé a tener una filosofía más profunda sobre el sentido de la vida”, declaró a la AP en 2007. “A partir de ese momento, mi conciencia despertó”.
Tras ser dado de baja del ejército, regresó a Chicago y se unió al quinteto de Max Roach y Clifford Brown. En 1956 grabó un álbum en solitario, "Saxophone Colossus". Su sonido crudo y de hard bop lo consagró como uno de los saxofonistas más importantes del jazz y sigue siendo una de sus obras más influyentes.
En los dos años siguientes, Rollins dio con un enfoque diferente, pasando a un trío sin piano en otros tres álbumes emblemáticos: "Way Out West", "A Night at the Village Vanguard" y "Freedom Suite".
Luego, en la cima de su popularidad, Rollins se recluyó y pasó los dos años siguientes practicando solo en un rincón solitario sobre el East River, en una pasarela del puente de Williamsburg.
“De lo que más me enorgullezco en mi carrera es de haber sido capaz de ver más allá de la popularidad y todo eso”, declaró a la AP en 2007, “y hacer lo que mi intuición me dictaba”.
Durante su ausencia, el jazz evolucionó desde el ritmo vertiginoso y la estructura compacta del bebop hacia el free jazz, más frenético y caótico. Cuando Rollins decidió regresar a la escena en 1961, adoptó este nuevo sonido, una decisión que dividió a sus seguidores. A mediados de los 60, Rollins realizó numerosas giras por Europa, alternando entre enfoques más tradicionales y vanguardistas. Compuso música original para la banda sonora de "Alfie", la película británica de 1966 que catapultó a Michael Caine a la fama.
Fue durante un viaje a Japón cuando Rollins descubrió el budismo zen, lo que le llevó a tomarse otro largo año sabático que se prolongaría hasta principios de la década de 1970.
Una leyenda viva
Cuando decidió volver a grabar en 1972, ya era considerado una leyenda y gozaba de gran reconocimiento internacional. Ese mismo año recibió una beca Guggenheim y al año siguiente ingresó en el Salón de la Fama de Downbeat. Apareció en el programa "Tonight Show" y comenzó a tocar en salas de conciertos en lugar de clubes nocturnos.
Theodore Walter Rollins nació en el seno de una familia de músicos en Harlem el 7 de septiembre de 1930. Su padre, suboficial de la marina, tocaba el clarinete, su hermana tocaba el piano y su hermano mayor era violinista.
Cuando tenía ocho años, sus padres insistieron en que estudiara piano, pero, como él mismo recuerda, "no le gustó". En cambio, decía que prefería estar al aire libre jugando al béisbol. Pero a los once años, Rollins quedó fascinado con el saxofón y convenció a sus padres para que le compraran uno: un saxo alto.
Tenía dificultades para costearse las clases y era en gran parte autodidacta, pero Rollins pronto se convirtió en una estrella, pasando al saxofón tenor y tocando en los clubes por la noche.
Deja tras de sí numerosas grabaciones inéditas y afirmó que no tenía previsto dejar instrucciones sobre qué hacer con ellas.
«Después de dejar este planeta, no tendré voz ni voto en lo que suceda, así que no me preocupa», declaró al New York Times en 2020. «Y, la verdad, me devano los sesos con mi música; ya no tendré que devanarme los sesos con ella. Gracias a Dios».
(Foto AP/Junji Kurokawa, archivo)
John TravoltaCANNES, Francia (AP) — John Travolta fue sorprendido con una Palma de Oro honorífica en el estreno de su ópera prima como director en el Festival de Cine de Cannes el viernes.
Thierry Frémaux, director artístico del festival, entregó el premio a Travolta justo antes de la proyección de su película "Propeller One-Way Night Coach". Un Travolta visiblemente emocionado se llevó la mano al pecho mientras Frémaux le hacía llegar el trofeo.
“Dijiste que sería una noche especial, pero no sabía que significaría esto”, le dijo Travolta a Frémaux.
“¡Esto va más allá de un Oscar!”, exclamó Travolta.
Ataviado con una boina blanca, Travolta desfiló por la alfombra roja de Cannes junto a su hija Ella Bleu Travolta, de 26 años. El actor escribió, dirigió y coprodujo "Propeller One-Way Night Coach", basada en su propia novela infantil de 1997.
Cannes ya ha sorprendido en ocasiones a sus invitados con una Palma de Oro honorífica. En 2022, se la otorgó inesperadamente a Tom Cruise . En la edición de este año, el director de «El Señor de los Anillos», Peter Jackson, recibió la palma durante la ceremonia de apertura. Barbara Streisand la recibirá más adelante durante el festival.
(Foto de Scott A. Garfitt/Invision/AP)
Rammi MalekCANNES, Francia (AP) — En el drama ambientado en los años 80 de Ira Sachs, “El hombre que amo”, Rami Malek encuentra el papel que mejor se adapta a su personaje desde su interpretación de Freddie Mercury en “Bohemian Rhapsody”, por la que ganó un Oscar.
Si bien la película de Sachs, que participa en la competición del Festival de Cine de Cannes de este año , también se centra en un artista que muere de sida, por lo demás es una historia completamente diferente y mucho más personal sobre el arte, el amor y la muerte.
«Me llevó un tiempo darme cuenta de que se trataba más bien de la vida», dijo Malek en una entrevista junto a Sachs en una terraza de Cannes. «Hay una amenaza latente, pero es una corriente subterránea. A lo largo de la película, una cacofonía de sonidos, imágenes y belleza te inunda el alma».
La película, que está a la venta en Cannes, le ha valido a Malek —un actor que a veces ha tenido dificultades para encontrar papeles adecuados desde su salto a la fama en "Mr. Robot"— algunas de las mejores críticas de su carrera.
Sachs, el cineasta independiente neoyorquino de "Passages" y "Love Is Strange", sabía que quería un actor con un carisma inefable.
“Lo que vi en 'Mr. Robot' fue un actor muy natural y alguien que tiene una habilidad tal que no sabes cómo pasa de una palabra a la siguiente.”
En “El hombre que amo”, Malek interpreta a Jimmy George, un artista escénico neoyorquino que intenta seguir actuando a pesar de su enfermedad. Su pareja (Tom Sturridge) lo cuida con dedicación, mientras que un hombre (Luke Ford) que se muda al mismo edificio se enamora inmediatamente de Jimmy.
No es una película llena de medicamentos y visitas al hospital. En cambio, retrata a un artista que intenta desesperadamente seguir adelante.
Sachs dijo que quería "una película apasionante".
“Quería hacer una película que contuviera todo lo que echaré de menos cuando ya no esté”, dijo el cineasta. “Quería que estuviera impregnada de emoción, dolor y sensualidad. Es una película sensual. Tiene color y música. Se podría decir que es una lista de placeres o pecados”.
Algunas de las escenas más impactantes de la película son aquellas en las que Jimmy ensaya o actúa. En un momento conmovedor, le canta a su familia el éxito de Melanie de 1970, "What Have They Done to My Song Ma".
«Me salió directamente del alma», dice Malek. «Es un momento de la película en el que Jimmy tiene cierta claridad sobre lo que se avecina. Hay una obstinada negativa a seguir creando en los momentos más desesperados que emana de esta película. Me infundió la sensación de: "Oh, puedo ser peligroso. Puedo llevar las cosas a un límite que no había alcanzado antes"».
La década de 1980 tiene una gran importancia para Sachs, de 60 años, quien comenzó a trabajar en Nueva York en 1984. Se inspiró en las historias de artistas performáticos como John Kelly y John Jesurun.
“Ellos fueron quienes me contaron que anoche el comediante Frank Maya estaba en el escenario y no pudo terminar su actuación”, dice Sachs. “John Kelly me contó que Ethyl Eichelberger estaba actuando y tenía la cara empapada en sudor”.
Malek describe a Sachs como "una biblioteca", cuya conexión con la época de "El hombre que amo" alimentó su curiosidad.
“Esa confianza generó en mí un rendimiento que no sabía que estaba ofreciendo”, dice Malek. “Pero sabía que estaba haciendo algo único. No sabía que tendría repercusión”.
Jake Coyle es crítico de cine y cubre la industria cinematográfica para Associated Press desde 2013. Reside en la ciudad de Nueva York.
(Foto de Scott A Garfitt/Invision/AP)
Aristas MexicanosCIUDAD DE MÉXICO (AP) — La música pop del norte de México fue la estrella de la segunda jornada del festival Tecate Emblema de la Ciudad de México, que reunió a más de 90.000 asistentes durante el fin de semana. Gloria Trevi, Kenia Os y NSQK fueron los protagonistas del domingo.
Desde que se anunció el cartel del Emblema con Gloria Trevi, originaria de Nuevo León, México, se esperaba uno de sus shows cargados de clásicos como “Zapatos viejos”, “Pelo suelto” y “Con los ojos cerrados”. Pero la cantautora, activa desde la década de 1980, sorprendió al arrancar su concierto colgada de un aparejo para interpretar “Dr. Psiquiatra”.
El asombro no paró, Trevi tuvo múltiples cambios de vestuario a una rapidez tal que no se perdía la continuidad ni el ritmo en su presentación y estuvo acompañada por bailarines que en más de una ocasión la hicieron volar sobre la tarima. Otras de sus canciones destacadas fueron “No querías lastimarme”, “Vestida de azúcar”, “Cinco minutos”.
“Podemos haber derramado lágrimas por alguien que no lo valía, pero hoy sabemos lo que nosotros sí valemos y en la vida no estamos hechos de las veces que nos caemos o que nos tiran”, dijo al final de su presentación. “Estamos hechos de las veces que nos levantamos, por eso a ti igual que a mí ‘Todos me miran’”, agregó antes de cerrar con esa canción clásica de los clubs nocturnos LGBTI+.
Os, quien es originaria de Mazatlán, Sinaloa, agradeció a sus “keninis” por haberla esperado desde muy temprano. Emergió en el escenario vestida como una conejita de Playboy y descendió por una escalinata iluminada. Estuvo acompañada por bailarines para presentar temas de su más reciente álbum “K de Karma”, así como otros de sus producciones pasadas, incluyendo “Pink Aura”, “Cambios de Luna” y “K23”.
NSQK, de Monterrey como Trevi, le preguntó a los fans si habían asistido a sus conciertos de noviembre en el Palacio de los Deportes. Muchos en el público gritaron emocionados recordando esas presentaciones en las que tuvo llenos totales y un montaje minimalista pero colmado de color para cada una de sus canciones.
Aunque el escenario del Emblema era más pequeño, NSQK logró transportar algo de ese show impresionante para adaptarlo en temas como “Tarde o temprano” y “Bobomensotonto”. También aprovechó para besar a su esposa Samantha quien estaba a un costado del escenario tomándole fotos con una cámara. NSQK se llevó la cámara para hacer fotos del público y tomarse una selfie.
Un poco más al norte, las hermanas de ascendencia mexicana Hanna y Ashley Pérez Mosa, del dúo country-pop Ha(asterisk)Ash, originarias de Lake Charles, Luisiana, se robaron la tarde con una presentación en la que hicieron corear al público “Perdón, perdón”, “No pasa nada” y "¿Qué hago yo?”.
Paris Hilton
En su faceta de DJ y productora, Paris Hilton presentó un set cargado de éxitos pop de Britney Spears, Katy Perry, Carly Rae Jepsen, pero también algunos temas de artistas latinoamericanos como “Gasolina” de Daddy Yankee y “Pepas” de Farruko, unidos con himnos electrónicos como “Satisfaction” de Benny Benassi y “Losing It” de Fisher.
También mezcló “That’s Hot” de Ayesha Erotica, una canción en la que Hilton es mencionada bastante. Todo esto mientras calzaba tacones altísimos y lucía un vestido aqua lleno de lentejuelas con el que se miró en un espejo de mano y se tomó selfies desde la consola. Dijo que había volado directo desde Nueva York, donde este fin de semana desfiló en la pasarela de GucciCore.
“Los amo, los extraño, estoy tan contenta de estar con todos ustedes”, dijo Hilton hacia el final de su presentación. “Ustedes son increíbles, son hermosos y nunca olviden que todos son una princesa. Yo tocaría toda la noche, pero hay reglas, pero los amo tanto… son la razón por la que hago lo que hago y me siento muy afortunada y bendecida de traer luz y felicidad al mundo”.
Hilton, modelo, empresaria y música, se dio a conocer a nivel internacional hace más de dos décadas por el reality “The Simple Life”, debutó como DJ en 2012 y, tras un comienzo con algunas reseñas negativas, ha logrado importantes residencias en capitales de la música electrónica como Ibiza. Aunque tiene éxitos pop como “Stars Are Blind” y “Turn It Up”, más recientemente ha producido canciones electrónicas como “Hot One” y “Ligther” con Steve Aoki.
Debuts en el Emblema
El artista panameño Sech fue uno de los primeros en subir al escenario principal en su primera presentación en el Emblema. Aunque es un artista urbano, una buena parte de su concierto fue acompañado sólo de guitarra acústica para temas como “Elegí” y “Porfa”.
“El apoyo siempre el mismo, la gente creo que siempre está activa, bien feliz en verdad”, dijo Sech en entrevista con The Associated Press. “Aunque venían artistas quizá distintos, la gente me apoyó mucho y eso se sintió súper bien”.
Otra artista que debutó en el Emblema y en México fue la sueca Zara Larsson, quien salió con una microfalda con flores amarillas y un top de bikini acompañada de bailarinas. Larsson incluyó “Lush Life”, “Midnight Sun” y “Never Forget You” en su presentación.
POR  BERENICE BAUTISTA
(Foto AP/Ginnette Riquelme)

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