Bakrooms¿Qué maldad se esconde en los interiores más lúgubres?
La película “Backrooms”, que surgió a raíz de un meme , es la última en desplegar sus crecientes horrores en espacios liminales. “Exit 8” , estrenada a principios de este año, transcurría íntegramente en un pasillo de metro. En “Backrooms”, un vendedor de muebles con dificultades económicas descubre bajo su tienda un laberinto subterráneo, con paredes empapeladas de amarillo e iluminación fluorescente.
El origen de "Backrooms" es más interesante —y potencialmente significativo— que el resultado. La película, dirigida por Kane Parsons, un youtuber de 20 años convertido en cineasta, es una pesadilla inquietante a ratos que nunca llega a desarrollarse de forma convincente más allá de su premisa espeluznante y con una decoración anticuada.
Pero la historia de fondo de "Backrooms" es más intrigante. En 2019, una publicación anónima en 4chan creepypasta —un repositorio en línea de leyendas urbanas creadas en internet— proporcionó la imagen inicial de los aparentemente infinitos Backrooms con un pie de foto que describía "nada más que el hedor de alfombra vieja y húmeda, la locura del amarillo monocromático, el ruido de fondo interminable de luces fluorescentes al máximo zumbido".
Al igual que muchos otros, Parsons —quien publica bajo el nombre de “Kane Pixels”— adoptó la idea y la desarrolló. Su serie de YouTube amplió la publicación de 4chan, incorporando un enfoque de metraje encontrado. Finalmente, A24 dio luz verde a su película, la adaptación cinematográfica de un concepto nacido en internet.
Si bien la inteligencia colectiva de internet puede generar obras magníficas, el cine requiere una mayor cercanía con el autor. Y «Backrooms», escrita por Will Soodik y producida por Osgood Perkins, se esfuerza por crear una historia convincente que se ajuste a sus imágenes inquietantemente banales.
Clark (Chiwetel Ejiofor) es el dueño, no precisamente orgulloso, de Cap'n Clark's Ottoman Empire, una triste y vacía tienda de muebles ubicada en un centro comercial de los años 90. Tiene muchas preocupaciones: sus frustradas aspiraciones como arquitecto, el fin de su matrimonio, la falta de clientes... pero también le inquietan unos inexplicables problemas eléctricos en la tienda. Las luces parpadean constantemente.
Cuando Clark inspecciona el disyuntor, encuentra interruptores extraños e irregulares en la parte inferior del panel. ¿Quién los instaló? ¿Para qué sirven? Si hay algo que "Backrooms" retrata a la perfección, son los misterios del disyuntor. Una noche, Clark baja a investigar al sótano de la tienda cuando, sin darse cuenta, atraviesa la pared y entra en los Backrooms.
No se parece en nada al País de las Maravillas. Las cámaras, aparentemente interminables, casi parecen oficinas vacías y anodinas. Pero son aún más extrañas, como instalaciones artísticas que recrean espacios de oficina. Hay montones de muebles, puertas encogidas y objetos inquietantemente aleatorios, como una señal de stop o una figura de cartón con un reproductor de casetes que dice "hola" en distintos idiomas. Clark describe más tarde las habitaciones como si las hubiera construido "un grupo de obreros de la construcción bajo los efectos del LSD".
Las dimensiones insólitas y los rincones extraños de los lugares de trabajo modernos han sido un tema recurrente últimamente, desde "Severance" hasta "The Chair Company". Y es difícil no ver las innumerables versiones de Backrooms como una metáfora de internet.
Pero Parsons lleva la ambientación al plano psicológico. Uno de los pocos personajes con los que vemos interactuar a Clark antes de que se obsesione con explorar las habitaciones es su terapeuta, Mary Kline (Renate Reinsve). «Todos tenemos nuestros patrones, nuestros hábitos», le dice ella en una sesión.
El laberinto subterráneo comienza a asemejarse cada vez más a una versión distorsionada de la propia psicología cíclica de Clark. Sus múltiples puertas se adentran cada vez más en su psique, y Mary (cuyo nuevo libro se titula "La ventana interior") también queda atrapada.
Como una reinterpretación de terror con luces fluorescentes de «Eterno resplandor de una mente sin recuerdos» de Michel Gondry, «Backrooms» no termina de funcionar. Si bien la película encuentra una vía potencialmente interesante para la historia, no logra conectar su laberinto físico, alfombrado de pared a pared, con el estado mental de Clark. Una película con tantas puertas, al final, no encuentra la correcta.
A pesar de una premisa superficial, tanto Ejiofor como Reinsve le dan profundidad a "Backrooms". Ejiofor casi siempre ha sido una presencia sumamente serena en pantalla, pero aquí da rienda suelta a una capacidad latente para la locura descontrolada. Reinsve, la estrella de "The Worst Person in the World" y "Sentimental Value", resulta especialmente cautivadora en su debut en el cine de terror. Le aporta a la película una inteligencia sutil y astuta.
Pero la verdadera estrella es el diseño de producción de Danny Vermette. Banales y extraños a la vez, los Backrooms funcionan como una misteriosa madriguera de conejo. Las películas de terror siempre han explorado los problemas en las escaleras, pero estas, como "Barbarian" de 2022 , parecen ir aún más allá. No es de extrañar que la película también se pierda allí abajo.
«Backrooms», estrenada por A24 en cines este viernes, está clasificada como R por la Motion Picture Association por su lenguaje fuerte y algunas escenas violentas/sangrientas. Duración: 105 minutos. Dos estrellas de cuatro.
Jake Coyl es crítico de cine y cubre la industria cinematográfica para Associated Press desde 2013. Reside en la ciudad de Nueva York.
(A24 via AP)
Naomi vestidoPARÍS (AP) — El gusto de Naomi Osaka por la moda volvió a ser el centro de atención el martes en el Abierto de Francia .
La estrella del tenis entró en la pista Suzanne-Lenglen con una falda negra ceremonial y un corpiño sin mangas con abalorios, que se quitó para revelar un vestido de juego dorado con lentejuelas para su partido inaugural en París.
“Es muy elegante”, dijo Osaka sobre su vestido después del partido. “Ya sabes, la Torre Eiffel de noche, cuando brilla. Creo que me parezco un poco a eso”.
Osaka entró luciendo un corpiño adornado con una estructura que recordaba a una armadura, y una falda larga plisada sobre su atuendo de juego. Luego se quitó las prendas exteriores y venció a su oponente alemana, Laura Siegemund, por 6-3, 7-6 (3).
Osaka dijo que el uniforme de juego fue diseñado por Nike, mientras que las prendas exteriores eran del diseñador suizo Kevin Germanier.
A principios de este año, en el Abierto de Australia, Osaka salió a la cancha luciendo un sombrero de ala ancha, un velo y una sombrilla blanca. Y en el Abierto de Estados Unidos del año pasado, llevaba rosas rojas brillantes en la coleta, sobre su atuendo rojo, e incluso un Labubu a juego al que llamó Billie Jean Bling.
La cuatro veces campeona de Grand Slam también lució recientemente un atuendo espectacular en la Gala del Met en Nueva York.
¿Cómo logra Osaka, minutos después, centrarse en jugar un partido de tenis tras sus espectaculares entradas?
“Ya me he acostumbrado un poco”, dijo. “El US Open, las rosas en mi pelo, ahí fue cuando empecé a involucrarme mucho más. Obviamente, con Australia, eso sí que dio que hablar. Así que no me parece gran cosa hacer eso y luego jugar”.
“Los atletas están en el mundo del espectáculo”, añadió Osaka. “Las apariciones como invitada en los Grand Slam son la única vez que siento que soy una artista”.
Sin embargo, Osaka tenía otras preocupaciones.
“La verdad es que me preocupé un poco, porque cuando el sol da en el vestido, refleja mucho la luz. Así que tenía un poco de miedo de que el árbitro me echara de la cancha”, dijo. “Por eso tenía dos vestidos Nike normales de repuesto”.
El martes por la mañana, en la pista Philippe-Chatrier, la número uno del mundo, Aryna Sabalenka, lució dos collares con diamantes durante su victoria en el partido inaugural.
Osaka declaró el sábado que disfruta de la moda porque "no hablo mucho, así que de esa manera puedo expresarme a través de mi ropa".
Añadió: "Soy un poco dramática en lo que respecta a mi estilo".
La periodista de moda de AP, Colleen Barry, en Milán, contribuyó a este reportaje.
ANDRÉS DAMPF ha sido periodista deportivo de Associated Press en Roma durante más de 20 años, cubriendo fútbol, ​​tenis, esquí alpino y muchos otros eventos en Italia y otros países, incluyendo cinco Copas Mundiales de Fútbol. Los Juegos de Milán-Cortina serán los décimos Juegos Olímpicos que cubrirá.
(Foto AP/Aurelien Morissard)
Sony RollinsNUEVA YORK (AP) — Sonny Rollins, el saxofonista tenor y genio incansable cuyo tono audaz y distintivo y su constante experimentación lo mantuvieron a la vanguardia del jazz durante más de 50 años, falleció el lunes a los 95 años.
La portavoz Terri Hinte declaró a la agencia Associated Press que Rollins falleció en su domicilio en Woodstock, Nueva York. No especificó la causa de la muerte, pero indicó que había permanecido prácticamente confinado en su casa durante los últimos dos años debido a diversos problemas de salud.
Desde sus inicios como joven prodigio hasta su trabajo en solitario más mesurado y su experimentación con el free jazz, Rollins fue venerado por su habilidad para la improvisación. Fue uno de los últimos grandes exponentes vivos de la era del bebop y, junto con John Coltrane y Charlie Parker, uno de los saxofonistas más influyentes de su tiempo.
Los aficionados al rock pudieron disfrutar de su música con el álbum de los Rolling Stones de 1981, "Tattoo You", que incluye el melancólico solo de saxofón de Rollins en la balada "Waiting on a Friend", ideada después de ver bailar a Mick Jagger.
A pesar de su éxito duradero, Rollins nunca estuvo del todo satisfecho con su arte, y en ocasiones se tomaba largos descansos de la música y adoptaba constantemente nuevos estilos eclécticos.
Siempre se refería a sí mismo como "un trabajo en progreso", diciendo que no era de esos artistas que se conforman con una sola forma de tocar.
Si bien sus primeros trabajos de bebop fueron los más populares entre sus seguidores, Rollins nunca miró atrás, afirmando que le resultaba "insoportable" incluso escuchar los fallos de sus grabaciones más antiguas.
“No me considero un músico que haya aprendido todo lo que quiero aprender”, declaró a Associated Press en 2007.
Logros perdurables
En las décadas de 1990 y 2000, Rollins lanzó una serie de álbumes aclamados por la crítica. Mantuvo una rigurosa rutina de práctica y continuó de gira hasta bien entrados los ochenta. La fibrosis pulmonar, un engrosamiento y daño de los pulmones, finalmente lo obligó a retirarse. Dio su último concierto en 2012 y dejó de tocar definitivamente en 2014.
Si bien echaba de menos la adoración del público, echaba aún más de menos jugar.
“Al principio di un par de conciertos al aire libre por la tarde”, declaró al New York Times en 2020. “Pude mirar al cielo y sentí una conexión; sentí que formaba parte de algo. No de la multitud. De algo más grande”.
Su álbum de 2001, “This is What I Do”, le valió un premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz. Volvió a ganar en 2006 al mejor solo instrumental de jazz por “Why Was I Born?”.
«Why Was I Born» pertenecía al álbum «Without a Song: The 9/11 Concert», una grabación en directo de una actuación en Boston tan solo cuatro días después de los atentados del 11 de septiembre. Rollins, que había sido evacuado de su apartamento a pocas manzanas de la zona cero, siguió adelante con el concierto a instancias de su esposa y representante, Lucille. Ella falleció en 2004.
Le sobreviven un sobrino, Clifton Anderson, y sus sobrinas Vallyn Anderson y Gabrielle DeGroat.
Conocer a los grandes
Rollins tuvo su gran oportunidad a finales de su adolescencia, cuando fue invitado a unirse a la banda de Thelonious Monk. Pronto empezó a tocar con Miles Davis y Bud Powell, quienes lo introdujeron en el mundo de la grabación incluso antes de terminar la escuela secundaria.
Pero, al igual que muchos músicos de jazz a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, la estrella emergente de Rollins estuvo a punto de desvanecerse cuando se volvió adicto a la heroína a los 19 años. A medida que su adicción empeoraba progresivamente, Rollins cumplió dos condenas de cárcel —diez meses en 1950 y tres meses en 1953— y finalmente terminó viviendo en las calles de Chicago. En 1954, Rollins ingresó voluntariamente en un hospital de Lexington, Kentucky, para someterse a un tratamiento contra la drogadicción.
Tras dejar las drogas, experimentó un despertar espiritual.
“Empecé a tener una filosofía más profunda sobre el sentido de la vida”, declaró a la AP en 2007. “A partir de ese momento, mi conciencia despertó”.
Tras ser dado de baja del ejército, regresó a Chicago y se unió al quinteto de Max Roach y Clifford Brown. En 1956 grabó un álbum en solitario, "Saxophone Colossus". Su sonido crudo y de hard bop lo consagró como uno de los saxofonistas más importantes del jazz y sigue siendo una de sus obras más influyentes.
En los dos años siguientes, Rollins dio con un enfoque diferente, pasando a un trío sin piano en otros tres álbumes emblemáticos: "Way Out West", "A Night at the Village Vanguard" y "Freedom Suite".
Luego, en la cima de su popularidad, Rollins se recluyó y pasó los dos años siguientes practicando solo en un rincón solitario sobre el East River, en una pasarela del puente de Williamsburg.
“De lo que más me enorgullezco en mi carrera es de haber sido capaz de ver más allá de la popularidad y todo eso”, declaró a la AP en 2007, “y hacer lo que mi intuición me dictaba”.
Durante su ausencia, el jazz evolucionó desde el ritmo vertiginoso y la estructura compacta del bebop hacia el free jazz, más frenético y caótico. Cuando Rollins decidió regresar a la escena en 1961, adoptó este nuevo sonido, una decisión que dividió a sus seguidores. A mediados de los 60, Rollins realizó numerosas giras por Europa, alternando entre enfoques más tradicionales y vanguardistas. Compuso música original para la banda sonora de "Alfie", la película británica de 1966 que catapultó a Michael Caine a la fama.
Fue durante un viaje a Japón cuando Rollins descubrió el budismo zen, lo que le llevó a tomarse otro largo año sabático que se prolongaría hasta principios de la década de 1970.
Una leyenda viva
Cuando decidió volver a grabar en 1972, ya era considerado una leyenda y gozaba de gran reconocimiento internacional. Ese mismo año recibió una beca Guggenheim y al año siguiente ingresó en el Salón de la Fama de Downbeat. Apareció en el programa "Tonight Show" y comenzó a tocar en salas de conciertos en lugar de clubes nocturnos.
Theodore Walter Rollins nació en el seno de una familia de músicos en Harlem el 7 de septiembre de 1930. Su padre, suboficial de la marina, tocaba el clarinete, su hermana tocaba el piano y su hermano mayor era violinista.
Cuando tenía ocho años, sus padres insistieron en que estudiara piano, pero, como él mismo recuerda, "no le gustó". En cambio, decía que prefería estar al aire libre jugando al béisbol. Pero a los once años, Rollins quedó fascinado con el saxofón y convenció a sus padres para que le compraran uno: un saxo alto.
Tenía dificultades para costearse las clases y era en gran parte autodidacta, pero Rollins pronto se convirtió en una estrella, pasando al saxofón tenor y tocando en los clubes por la noche.
Deja tras de sí numerosas grabaciones inéditas y afirmó que no tenía previsto dejar instrucciones sobre qué hacer con ellas.
«Después de dejar este planeta, no tendré voz ni voto en lo que suceda, así que no me preocupa», declaró al New York Times en 2020. «Y, la verdad, me devano los sesos con mi música; ya no tendré que devanarme los sesos con ella. Gracias a Dios».
(Foto AP/Junji Kurokawa, archivo)
Dia DSe suponía que el Día D tendría lugar el 5 de junio de 1944. La historia de por qué finalmente se celebró el 6 de junio se ha perdido un poco en la historia, eclipsada por los acontecimientos más importantes que la rodearon.
Un solo día puede parecer insignificante en el contexto general, pero representó un retraso trascendental en los planes para la invasión sin precedentes y audaz, que desplegaría a casi 160.000 soldados aliados en Normandía. En última instancia, todo se redujo a la recomendación de un astuto meteorólogo escocés, el capitán de grupo James Stagg, quien tuvo que comunicar a todos, incluyendo al general Dwight D. Eisenhower y al mando aliado, algo que no querían oír: el clima iba a ser catastróficamente malo. Y no, no estaba seguro de ello.
Las tensas 72 horas previas a la invasión cobran vida en "Pressure", que se estrena en cines el 29 de mayo , en vísperas del 82.º aniversario de la operación. Adaptación de la aclamada obra de teatro de David Haig, la película arroja luz sobre este episodio histórico que cambiaría el curso de la Segunda Guerra Mundial.
Los estilos tan diferentes de Brendan Fraser y Andrew Scott
El cineasta Anthony Maras reunió a un grupo singular de actores para la tarea, recurriendo a Brendan Fraser para interpretar a Eisenhower y a Andrew Scott para interpretar a Stagg.
“No me creía un Ike Eisenhower cuando Anthony Maras me envió el guion”, dijo Fraser. “Tuve una videollamada por Zoom y me dijo: ‘Tienes que hacer este papel’. ¿Yo? ¿Por qué? ‘Porque es como tú, es como tú. Es un tipo normal y corriente’. ¿En serio? O sea, yo pensaba que Eisenhower era, ya sabes, severo, firme, algo así como un personaje de cuento”.
Fraser se preparó a conciencia, leyendo y escuchando todo lo que caía en sus manos para comprender al hombre que, en última instancia, tendría que tomar la decisión. La investigación continuó incluso en el set. Maras recordó entre risas que, justo antes de rodar el famoso discurso de Eisenhower a los soldados, marineros y aviadores, que habían ensayado muchísimas veces, levantó la vista y vio a Fraser leyendo otra biografía. Pero apreció que el ganador del Óscar se apasionara por saber todo lo posible para hacerlo bien.
“Él se preocupaba profundamente por sus tropas”, dijo Fraser. “Era mi responsabilidad honrar su memoria y comportarme de una manera que humanizara las decisiones aparentemente teóricas que conlleva una operación tan masiva como esta”.
Scott tenía una visión completamente opuesta a la de su papel. Si bien leyó el libro de Stagg y quería familiarizarse con la jerga metrológica que tendría que usar, y aunque la historia era importante, para él el carácter era primordial. Le gustaba que Stagg no fuera la persona más simpática a primera vista, pero sí una persona íntegra.
“Lo que pasa con Stagg es que no le interesa el encanto… ni caerle bien a nadie”, dijo Scott. “Creo que eso es admirable, porque simplemente está ahí para hacer su trabajo. Así que me gusta que al principio de la película pienses: ‘Vaya, este tipo no es nada agradable’”.
Maras dijo que, para Scott, todo giraba en torno a la vida interior y emocional del personaje, algo esencial para un papel que requeriría tanto conflicto interno.
“Andrew tiene una cualidad especial: aunque parezca que no está haciendo nada —está sentado, arreglándose la corbata, leyendo la guía telefónica—, no puedes apartar la mirada”, dijo Maras.
A la sombra de 'Salvar al soldado Ryan'
Los actores no eran los únicos que sentían la presión de la tarea: Maras también tenía un desafío enorme al intentar escenificar, aunque fuera brevemente, el desembarco de Normandía.
“Quizás hay que estar un poco loco para intentarlo, teniendo en cuenta lo magistral que lo hizo Spielberg”, dijo Maras.
Pero a diferencia de «Salvar al soldado Ryan», que se centraba en los hombres que desembarcaban en la playa, «Presión» trata sobre quienes toman las decisiones. Es una perspectiva diferente. Aun así, una vez que deciden partir, es necesario mostrar al menos parte de la operación para contrastarla con la «atmósfera tensa y opresiva de la sala de control», dijo Maras.
Inspirado por el documental de Peter Jackson sobre la Primera Guerra Mundial, "They Shall Not Grow Old", y por la existencia de decenas de horas de película en blanco y negro de 35 mm en perfecto estado del evento, Maras decidió que quizás el material de archivo, coloreado, sería la mejor opción. Era una forma diferente de presentar el Día D que le daba inmediatez, dijo, en lugar de simplemente recrear la historia.
La relevancia de la "presión" en la actualidad
En definitiva, «Presión» no es solo una lección de historia, ni siquiera un drama de personajes con grandes personalidades y mucho en juego: es un retrato del liderazgo y el ego chocando con los hechos y la ciencia. Y su relevancia en la actualidad es la razón por la que Maras quiso hacer la película.
“¿Cómo se aporta la mejor versión de uno mismo para tomar una decisión? ¿Cómo se tiene la humildad de reconocer cuando uno desconoce algo? ¿Y cómo se tiene la sabiduría para discernir en quién confiar?… Eisenhower, al final, demostró ser un maestro en eso”, dijo Maras. “Lo que me encanta del personaje de Stagg es que se siente obligado a decirle a alguien algo que no quiere oír, algo que se resiste con todas sus fuerzas, pero que necesita oír. El mundo necesita más gente así”.
Años después, John F. Kennedy, camino a su propia toma de posesión, le preguntó a Eisenhower qué les había dado ventaja en el Día D. ¿Su respuesta? «Teníamos mejores meteorólogos que los alemanes».
«Cuando la vida o la muerte dependen de que entiendas los hechos, probablemente sea mejor dejar de lado las tonterías y llegar al grano», dijo Maras. «Es un ejemplo muy claro de una época en la que el futuro de los mundos aliados estaba en juego y escucharon a alguien que sabía de lo que hablaba, y les fue bien».
Para obtener más información sobre las películas de verano, visite: https://apnews.com/hub/movies
LINDSEY BAHR ha sido crítico y redactor de cine para Associated Press desde 2014.
(Foto AP/Chris Pizzello)
Rammi MalekCANNES, Francia (AP) — En el drama ambientado en los años 80 de Ira Sachs, “El hombre que amo”, Rami Malek encuentra el papel que mejor se adapta a su personaje desde su interpretación de Freddie Mercury en “Bohemian Rhapsody”, por la que ganó un Oscar.
Si bien la película de Sachs, que participa en la competición del Festival de Cine de Cannes de este año , también se centra en un artista que muere de sida, por lo demás es una historia completamente diferente y mucho más personal sobre el arte, el amor y la muerte.
«Me llevó un tiempo darme cuenta de que se trataba más bien de la vida», dijo Malek en una entrevista junto a Sachs en una terraza de Cannes. «Hay una amenaza latente, pero es una corriente subterránea. A lo largo de la película, una cacofonía de sonidos, imágenes y belleza te inunda el alma».
La película, que está a la venta en Cannes, le ha valido a Malek —un actor que a veces ha tenido dificultades para encontrar papeles adecuados desde su salto a la fama en "Mr. Robot"— algunas de las mejores críticas de su carrera.
Sachs, el cineasta independiente neoyorquino de "Passages" y "Love Is Strange", sabía que quería un actor con un carisma inefable.
“Lo que vi en 'Mr. Robot' fue un actor muy natural y alguien que tiene una habilidad tal que no sabes cómo pasa de una palabra a la siguiente.”
En “El hombre que amo”, Malek interpreta a Jimmy George, un artista escénico neoyorquino que intenta seguir actuando a pesar de su enfermedad. Su pareja (Tom Sturridge) lo cuida con dedicación, mientras que un hombre (Luke Ford) que se muda al mismo edificio se enamora inmediatamente de Jimmy.
No es una película llena de medicamentos y visitas al hospital. En cambio, retrata a un artista que intenta desesperadamente seguir adelante.
Sachs dijo que quería "una película apasionante".
“Quería hacer una película que contuviera todo lo que echaré de menos cuando ya no esté”, dijo el cineasta. “Quería que estuviera impregnada de emoción, dolor y sensualidad. Es una película sensual. Tiene color y música. Se podría decir que es una lista de placeres o pecados”.
Algunas de las escenas más impactantes de la película son aquellas en las que Jimmy ensaya o actúa. En un momento conmovedor, le canta a su familia el éxito de Melanie de 1970, "What Have They Done to My Song Ma".
«Me salió directamente del alma», dice Malek. «Es un momento de la película en el que Jimmy tiene cierta claridad sobre lo que se avecina. Hay una obstinada negativa a seguir creando en los momentos más desesperados que emana de esta película. Me infundió la sensación de: "Oh, puedo ser peligroso. Puedo llevar las cosas a un límite que no había alcanzado antes"».
La década de 1980 tiene una gran importancia para Sachs, de 60 años, quien comenzó a trabajar en Nueva York en 1984. Se inspiró en las historias de artistas performáticos como John Kelly y John Jesurun.
“Ellos fueron quienes me contaron que anoche el comediante Frank Maya estaba en el escenario y no pudo terminar su actuación”, dice Sachs. “John Kelly me contó que Ethyl Eichelberger estaba actuando y tenía la cara empapada en sudor”.
Malek describe a Sachs como "una biblioteca", cuya conexión con la época de "El hombre que amo" alimentó su curiosidad.
“Esa confianza generó en mí un rendimiento que no sabía que estaba ofreciendo”, dice Malek. “Pero sabía que estaba haciendo algo único. No sabía que tendría repercusión”.
Jake Coyle es crítico de cine y cubre la industria cinematográfica para Associated Press desde 2013. Reside en la ciudad de Nueva York.
(Foto de Scott A Garfitt/Invision/AP)

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