Basebol filmEn “Eephus” de Carson Lund , dos equipos –los Riverdogs y los Adler's Paint– se reúnen en un campo de béisbol del barrio para jugar un partido. Las hojas ya están empezando a cambiar de color –“Se está haciendo tarde temprano”, como dijo Yogi Berra– y este será el último partido de su liga recreativa para adultos. El campo será demolido.
Nadie los confundiría con estrellas. Un apretón suicida se desarrolla en cámara lenta y chirriante. El rechoncho jardinero izquierdo murmura "Madre McCree" en voz baja cuando la pelota cae en el hueco. Pero, independientemente del nivel de habilidad, todos se preocupan sinceramente por el juego.
“Eephus”, tan pausado como un doble partido de finales de agosto, se desarrolla simplemente junto con el juego. Salvo para perseguir una o dos bolas de falta, la película se mantiene dentro de los límites de Soldier Field, el anodino campo de béisbol de Massachusetts en el que juegan en algún momento de la década de 1990. Se extiende por nueve entradas, con charlas en el dugout y luz menguante. En esta joya de película de béisbol de lanzamiento lento (una “Sandlot” de mediana edad), el tiempo se escapa, pero ellos van a caer peleando.
El dinero, los análisis y todo lo que se transmite en ESPN a veces pueden empañar lo que los deportes son para la mayoría de las personas: un refugio. “Eephus”, en ese sentido, es una versión diferente de una película de béisbol, una oda elegíaca a los humildes guerreros de fin de semana que no están motivados por nada más que un afecto genuino por el juego. Rica en detalles y mordazmente inexpresiva, “Eephus” adopta su ritmo de juego, absorbiendo todo el sabor a semillas de sésamo que lo acompaña.
El título proviene de un lanzamiento anormalmente lento que no se lanzaba con la pelota, sino que se lanzaba hacia el plato. Cuando era un niño y lanzaba, me gustaba descorchar uno de vez en cuando, para gran consternación de mi entrenador. La metáfora no es difícil de entender. Un jugador lo describe como un lanzamiento que te puede aburrir de ver, incluso te hace perder la noción del tiempo.
Gran parte de lo mismo se aplica a “Eephus”, que se mueve de un jugador a otro, de una obra a otra, menos como una pieza de conjunto que como un espectador errante. Los chicos, en sí, no tienen más que un puñado de fanáticos, incluido el acérrimo encargado del puntaje Fanny (Cliff Blake). Frederick Wiseman , el gran documentalista cuyas películas narran nada más y nada menos que instituciones que se mantienen vivas a lo largo del tiempo, es la voz del locutor.
Antes he dicho que la película de Lund es una oda, pero no es una película sentimental. El paso del tiempo, que ningún partido de béisbol ni ningún eephus perfectamente lanzado puede detener, se vuelve cada vez más inquietante a medida que la luz de la tarde da paso al anochecer. El hecho de que, para terminar el partido, jueguen en una oscuridad casi total, con sólo los faros delanteros para ver la pelota, es una señal de desesperación tanto como de compromiso. Después de todo, un tipo en el banquillo está escuchando una transmisión de radio de un partido de béisbol, de 1972.
¿Qué se está perdiendo? No es un centro comercial en el que se va a convertir el campo, sino algo más difícil de discutir: una escuela. Podrían conducir media hora hasta otro campo, pero se dice que es mitad liga infantil, mitad mercado de agricultores. Tampoco son un grupo de amigos. No pasan el rato fuera del campo. Cosas de las que no hablan: trabajo, familia, política. Cosas que hacen: atención oftalmológica para el árbitro.
En los anales de las películas de béisbol, “Eephus” no pertenece al Salón de la Fama junto con “Bull Durham” o “A League of Their Own”. Lo más cerca que llega a las grandes ligas es una aparición de Bill “Spaceman” Lee, el zurdo de los años 70 y partidario del eephus.
Pero “Eephus” también merece un lugar en ese panteón del hardball, solo que en algún reino de las menores, muy por debajo de la categoría A. Aquí, no lanzan “algo de alto nivel”, sino albóndigas tales que, como dice un músico, se podría decir que es pasta primavera. Decir que esto es un campo de sueños sería exagerado, pero es una manera encantadora de pasar el rato.
“Eephus”, un lanzamiento de Music Box, no cuenta con calificación de la Motion Picture Association, pero contiene lenguaje grosero. Duración: 98 minutos. Tres estrellas de cuatro.
Jake Coyle ha sido crítico de cine y ha cubierto la industria cinematográfica para The Associated Press desde 2013. Tiene su base en la ciudad de Nueva York.
(Music Box Films vía AP)
Lady GagaLOS ÁNGELES (AP) — Cuando Lady Gaga entró a un bar de Nueva York que frecuentaba hace cinco años, los recuerdos la golpearon con fuerza: en ese entonces, escribió canciones allí, sintiéndose perdida y desconectada de sí misma.
Pero esta vez fue diferente. Mientras estaba sentada en el bar, Gaga sintió una sensación de paz y rejuvenecimiento que le recordó sus años de adolescencia, cuando escribía letras de canciones en servilletas.
En los últimos años, Gaga redescubrió su pasión por la música al alejarse de los focos de atención, cortar lazos con amistades falsas, cambiar los focos por noches tranquilas en casa y rodearse de personas en las que realmente confía. Esa transformación personal se convirtió en el alma de su nuevo álbum, “Mayhem”, que se lanzará el viernes.
“Me recuperé como artista”, dijo Gaga, ganadora de 14 premios Grammy y una vez de un Oscar, que regresó a sus raíces de música pop oscura en el álbum, que abarca 14 temas. Su nuevo proyecto sigue a “ Harlequin ” del año pasado, un álbum inspirado en el jazz que acompaña a la película “Joker: Folie à Deux ”, que se estancó en el puesto número 20 del Billboard 200.
Pero los sencillos de Gaga para el álbum de 14 canciones "Mayhem" han sido bien recibidos en las listas, incluyendo " Diabetes ", " Abracadabra " y " Die With a Smile ", una colaboración con Bruno Mars , pasando cinco semanas en el Billboard Hot 100 en el No. 1 y ganando un Grammy por mejor interpretación pop de dúo/grupo a principios de este mes.
Mientras grababa “Mayhem”, Gaga se negó a descansar en sus éxitos pasados ​​o en los elogios que había recibido para definir su nuevo trabajo. Atribuyó su renovado impulso creativo a un viaje de autodescubrimiento, que finalmente la empoderó para volver a ser el centro de atención en varios momentos importantes el mes pasado. La superestrella actuó con Bruno Mars en los Grammy, incluida una canción de homenaje “California Dreamin'” a las víctimas de los incendios forestales de Los Ángeles, cerró el concierto benéfico de FireAid con “All I Need is Time” y ofreció una actuación sorpresa cantando “Hold My Hand” antes del Super Bowl en Nueva Orleans.
El próximo mes, Gaga encabezará el cartel de Coachella y realizará un concierto gratuito en la playa de Copacabana de Río de Janeiro en mayo.
“Construí una rutina en mi vida diaria en torno a la música todo el tiempo, y no en torno a la autopromoción”, dijo Gaga, de 38 años, quien fue productora y coproductora ejecutiva junto con su prometido Michael Polansky, de 41 años, en “Mayhem”. “Cuando mi vida giraba en torno a la autopromoción, creo que perdí mucha de mi pasión. Cuando mi vida giraba en torno a mi familia, mi pareja y mi música, eso me devolvió esa autenticidad”.
En una entrevista con AP, Gaga profundiza en lo que le llevó a recuperar su pasión, mostrando que es más que un personaje y su doble función en “Saturday Night Live” el sábado.
Decidida a demostrar que ella es la arquitecta de su éxito.
Mientras Gaga lanzaba éxitos tempranos como “Just Dance” y “Poker Face”, notó que los críticos minimizaban su papel en el éxito, dando más crédito a los productores e incluso a los estilistas.
Con “Mayhem”, Gaga quiso demostrar que su talento fue la verdadera fuerza impulsora de su ascenso. Impulsada por los escépticos, la cantante está decidida a demostrar que ella es la artífice de su éxito, no solo otra creación de la industria.
“Intentaron calificarme y cuantificarme”, dijo. “Muy a menudo, como mujer en la música, dicen que fueron otras personas. Eres un producto, como si te hubieran creado. Algo que fue realmente importante para mí en esto fue realmente tomar de mí misma mis propias invenciones”.
Cuando Gaga comenzó a grabar su nuevo álbum, se centró en crear el tipo de melodías pop oscuras que definieron su carrera temprana, combinándolas con letras que hablaban en código. Dijo que todo volvió de manera natural, lo que le dio la seguridad de que estaba en el camino correcto para apropiarse plenamente de su identidad como artista en lugar de un personaje inventado.
“Esta era una manera de sentir que no era yo, que era mi verdadera yo”, dijo. “Yo era la creadora. Este era mi trabajo. No era solo un personaje que estaba interpretando. Era algo que yo había creado”.
Cómo Gaga dejó de lado la fama para recuperar su chispa creativa
Al principio de su carrera, la fama tuvo un precio que Gaga no estaba dispuesta a pagar. Se sentía aislada, atrapada en relaciones transaccionales y atrapada en un entorno que priorizaba la competencia por sobre la creatividad.
La fama empezó a parecerle una carrera interminable que agotaba su pasión por hacer música. Empezó a notar un cambio a medida que sus ventas superaban los primeros 10 millones de discos.
Gaga se dio cuenta de que permanecer en esa energía acabaría sofocando su creatividad y sabía que era hora de liberarse.
“Perdí lo que le enseñaba a mi hija, que es sentarse sola con sus pensamientos y escribir un poema”, dijo Gaga. “Sentarse sola y escribir una canción. Simplemente poner el buen trabajo duro y la artesanía tradicionales en aquello en lo que uno cree. Perdí eso durante mucho tiempo”.
Finalmente, Gaga se reinició. Cortó relaciones que la desgastaban y formó una familia estable con Michael Polansky y sus amados perros.
Ayudó a Gaga a canalizar su energía nuevamente hacia su arte.
“Este es el primer día que doy entrevistas sin maquillaje y es agradable”, dijo. “Simplemente puedo compartir con ustedes mi experiencia con la música y no siento presión por actuar para ustedes de otra manera que no sea como artista femenina”.
Gaga en SNL
En su aparición en “Saturday Night Live”, Gaga exhibirá su variedad como invitada musical y presentadora. Pero su versatilidad podría brillar aún más en los sketches cómicos del programa.
“Trabajo en todo tipo de arte que me encanta”, dijo Gaga, quien hará su segunda aparición como presentadora de “SNL” y la quinta como invitada musical. La primera vez que apareció como presentadora e invitada musical fue en 2013.
Gaga actuó durante el “ SNL50: The Homecoming Concert ” el mes pasado.
“Hacer ‘SNL’ es cuestión de trabajo duro”, dijo. “Es un trabajo que hacemos con amor para el público el sábado por la noche porque simplemente queremos que todos se sientan felices en casa”.
Para prepararse, Gaga se está sincronizando con el elenco y construyendo una relación que, según ella, ayudará a equilibrar sus roles a lo largo de la noche.
“Seré muy cercana al elenco”, dijo. “Escriben todos los sketches y trabajan toda la semana en la planificación, así que siento que cuanto mejor sea mi relación con ellos y me involucre y sea uno de ellos, mejor será el programa”.
Gaga añadió: “Estoy tratando mis actuaciones musicales por separado. Tengo que desempeñar diferentes papeles. Está la de presentadora y luego está la de actriz en el sketch, y luego está la de artista que soy en mi música. Sin embargo, estoy lista para hacerlo”.
JONATHAN LANDRUM JR es un periodista de entretenimiento radicado en Los Ángeles. Informa sobre televisión, cine y música para The Associated Press.
(Foto de Jordan Strauss/Invision/AP, Archivo)
Dos peliculasCIUDAD DE MÉXICO (AP) — Si hay una herida aún abierta en América Latina, es la de las decenas de miles de personas desaparecidas y el dolor de décadas acumulado en partes de la región como México y Colombia .
Dos visiones del trauma tuvieron un papel central en la 97 edición de los Premios Oscar : la película brasileña “Ainda Estou Aqui” (“Todavía estoy aquí”), que cuenta el drama de la familia de un ex congresista izquierdista que desapareció en 1971 en el apogeo de la dictadura militar; y el musical “Emilia Pérez”, sobre una narcotraficante mexicana ficticia que deja una vida de crimen para convertirse en una mujer transgénero y buscadora de desaparecidos en México.
“Esperamos que de esta manera se sensibilice a la sociedad”, dijo la activista Indira Navarro, quien dirige el colectivo Guerreros Buscadores de Jalisco en México y busca a su hermano, desaparecido en el estado norteño de Sonora hace nueve años.
El reconocimiento de los Premios de la Academia a las películas, ambas nominadas en múltiples categorías, fue una oportunidad incomparable para visibilizar el problema, dijo Navarro.
“I'm Still Here”, del brasileño Walter Salles, ganó el Oscar en la categoría de mejor película internacional. “Emilia Pérez”, del reconocido director francés Jacques Audiard, fue la película más nominada de este año y ganó en las categorías de mejor canción original y mejor actriz de reparto para Zoe Saldaña .
Las películas de Salles y Audiard también tenían un denominador común de las desapariciones en América Latina: la impunidad.
La historia detrás de 'I'm Still Here'
“Todavía estoy aquí” está inspirada en el libro “Ainda Estoy Aquí”, de Marcelo Rubens Paiva, hijo del desaparecido exdiputado Rubens Paiva. Más de cinco décadas después de que fuera sacado de su casa de Río de Janeiro y desaparecido, ninguno de los responsables del caso de Paiva ha sido llevado ante la justicia.
Su viuda, Eunice, y sus cinco hijos llevan años pidiendo justicia. Su familia tuvo que esperar 40 años para recibir su certificado de defunción y más aún para que las autoridades reconocieran que él, como otros, murió en el contexto de la violencia de la dictadura militar.
Salles, al recibir el premio, dijo desde el escenario de los Oscar: “Esto va para una mujer que, después de una pérdida sufrida durante un régimen autoritario, decidió no doblegarse y resistir… Su nombre es Eunice Paiva”.
Marcelo Rubens Paiva dijo a The Associated Press sobre el impacto del reconocimiento de los Oscar: “La gente en todas partes tiene miedo de ver cómo sus democracias se convierten en dictaduras… Esta película glorifica la democracia y la comprensión de que los derechos humanos y la empatía escasean”.
Los desaparecidos en México
En el caso de “Emilia Pérez” el personaje central, un narcotraficante apodado Manitas del Monte ( Karla Sofía Gascón ), intenta reivindicar sus años como criminal buscando personas desaparecidas junto a la abogada Rita Castro (Saldaña). Nunca paga por sus crímenes ni los responsables de las desapariciones son llevados ante la justicia mexicana.
Esto es muy similar a la realidad de México, donde según cifras oficiales actualmente hay 123 mil 147 desaparecidos.
El Comité contra las Desapariciones Forzadas de Naciones Unidas reconoció en un informe que presentó en abril de 2022, tras una visita a México, que solo entre el 2% y el 6% de los casos de desapariciones fueron judicializados.
“El crimen organizado se ha convertido en un responsable central de las desapariciones en México, con diversos grados de participación, aquiescencia u omisión de servidores públicos”, señaló el comité.
El fenómeno de las desapariciones en México comenzó en la década de 1960, pero las cifras se dispararon a partir de la década de 2000 con el incremento de las actividades del narcotráfico y la guerra contra los cárteles emprendida por el gobierno del entonces presidente Felipe Calderón (2006-2012).
En México la búsqueda de muchos desaparecidos recae sobre los hombros de sus familiares quienes, con escasos recursos y sin protección de las autoridades, ingresan a regiones controladas por criminales para buscar a sus seres queridos.
Navarro habló el lunes mientras buscaba una tumba en el estado occidental de Jalisco que ella y otros activistas localizaron. Dijo que espera que los Oscar sirvan como “una llamada de atención para todo el mundo y para saber lo que realmente estamos viviendo aquí en México”.
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Por  FABIOLA SANCHEZ
(Foto de Jordan Strauss/Invision/AP)
Oscar audienciaLOS ÁNGELES (AP) — Películas más pequeñas no significaron menores números de espectadores para los Oscar .
Se estima que 19,7 millones de espectadores vieron el domingo por la noche la ceremonia de la 97ª edición de los Premios Oscar, la audiencia más grande en cinco años, según cifras publicadas por ABC el martes.
El triunfo de “Anora”, que ganó cinco Oscar, incluyendo mejor película, y otras favoritas y ganadoras relativamente poco vistas, aún supuso un impulso respecto de los 19,5 millones de espectadores del año pasado, cuando el gran éxito “Oppenheimer” ganó las principales categorías y el éxito aún mayor “Barbie” tuvo una presencia importante.
La transmisión televisiva presentada por Conan O'Brien tuvo el beneficio de 10 nominaciones para el gran éxito "Wicked" y una actuación inaugural de sus estrellas, Cynthia Erivo y Ariana Grande. La película ganó por su diseño de producción y vestuario.
El programa tuvo un gran impulso entre las personas de entre 18 y 49 años, impulsado por los dispositivos móviles y las computadoras portátiles de los espectadores más jóvenes. Y la cadena dijo que fue el programa de entretenimiento en horario de máxima audiencia más visto de 2025.
Aun así, la tendencia al alza proviene de un mínimo histórico durante la pandemia, y los cambios en los hábitos de visualización de prácticamente todos los eventos en vivo, excepto el Super Bowl, significan que es muy poco probable que se vuelvan a alcanzar las cifras que alguna vez tuvo el programa.
En 1998, la cifra más alta fue de 55 millones de personas que vieron la película Titanic, y hasta 2018, cuando la audiencia bajó a 26,5 millones, no bajó a menos de 30 millones. En 2021, la audiencia disminuyó debido a la pandemia, y fue vista por 9,85 millones. En 2022, el año de la famosa bofetada de Will Smith a Chris Rock , comenzó a recuperarse con 16,6 millones.
Y la primera transmisión en vivo de Hulu de los Oscar de este año se cortó en los momentos finales del programa, lo que hizo que los espectadores se perdieran el premio a la mejor actriz de Mikey Madison y el premio a la mejor película de "Anora" en tiempo real.
Los Oscar siguen superando con creces a otras entregas de premios: sus casi 20 millones de espectadores superaron con creces a los 15,4 millones de los Grammy.
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ANDREW DALTON cubre el mundo del espectáculo para The Associated Press, con énfasis en el crimen, los tribunales y los obituarios. Trabaja para la AP desde hace 20 años y reside en Los Ángeles.
(Foto AP/Chris Pizzello)
George ClooneyNUEVA YORK (AP) — George Clooney causó revuelo en julio cuando pidió a Joe Biden que abandonara la contienda presidencial, citando la disminución de su capacidad. Para Clooney, no había otra opción que permanecer en silencio.
“Me criaron para decir la verdad, y decir la verdad significa decirla cuando no es cómodo”, le dijo el actor, director y gran partidario del Partido Demócrata a The Associated Press. “Hice lo que me criaron y me enseñaron a hacer. Eso es todo”.
Hubo una reacción inevitable —tal como la hubo cuando lo tildaron de traidor por hablar en contra de la invasión de Irak— pero Clooney sufrió los golpes.
“Decirle la verdad al poder o correr riesgos como ese es algo que hemos visto a lo largo de nuestra historia”, afirma. “Hemos estado aquí y sobrevivido a estas cosas y sobreviviremos”.
La postura de Clooney frente al poder da otro paso esta primavera, cuando debuta en Broadway contando la historia del legendario reportero Edward R. Murrow en una adaptación de su película de 2005 “Buenas noches y buena suerte”. Las funciones comienzan el 12 de marzo.
Murrow, que murió en 1965, es considerado uno de los arquitectos de la radiodifusión informativa estadounidense y quizá su momento más importante fue su oposición al senador Joe McCarthy, quien cínicamente creó la paranoia de una amenaza comunista en los años 1950.
“Esta es una historia sobre quiénes somos en nuestro mejor momento, cuando nos ponemos a prueba, cuando nos controlamos y nos equilibramos”, dice Clooney. “Lo que da miedo ahora y la diferencia con la época de Murrow es que ahora hemos decidido que la verdad es negociable”.
Película versus obra de teatro
En la versión cinematográfica (que Clooney coescribió con Grant Heslov) el papel de Murrow le correspondió a David Strathairn y Clooney interpretó al ejecutivo de la CBS Fred Friendly; esta vez, Clooney asume el papel de Murrow. Cuando él y Heslov hicieron una lectura para los inversores del teatro, Clooney simplemente interpretó a Murrow y los financieros aceptaron invertir su dinero en la obra, con la condición de que Clooney permaneciera en el papel.
Al igual que en la película, la versión teatral tendrá imágenes del verdadero McCarthy en las pantallas y el escenario se parecerá a una sala de redacción con varias docenas de monitores antiguos que mezclarán imágenes antiguas y nuevas.
La transición a Broadway tiene mucho sentido, ya que muchos de los críticos de la película dijeron que les parecía mucho una obra de teatro. En realidad, originalmente se concibió como una película para televisión en vivo, una idea que se descartó después de que Justin Timberlake expusiera el pezón de Janet Jackson en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl de 2004 y ahuyentara cualquier idea de eventos en vivo en la cadena.
“Es una obra increíblemente literaria”, afirma el director ganador del Tony David Cromer. “Está llena de debates. Está llena de argumentos bien razonados y muy complejos sobre si esto es lo correcto que hay que hacer? ¿Es lo correcto que hay que hacer ahora? ¿Qué sucede cuando hacemos esto? ¿Cómo lo decimos?”
El periodismo bajo fuego
Clooney, dos veces ganador del Oscar, regresa a Murrow en un momento en que los periodistas están bajo el fuego de la nueva administración estadounidense y se les niega el acceso por no seguir los puntos de conversación de la Casa Blanca.
“No decidimos volver a montar o hacer la obra por motivos políticos reales”, dice Heslov, un colaborador frecuente de Clooney que también está haciendo su debut como escritor en Broadway. “Resulta que el ambiente podría ser propicio para ello”.
Murrow estuvo muy presente en el hogar de Clooney cuando era niño. Su padre, Nick Clooney, un periodista veterano, trabajó como presentador de noticias de televisión en varias ciudades, entre ellas Cincinnati, Salt Lake City y Los Ángeles. También escribió una columna para un periódico en Cincinnati y enseñó periodismo en la American University.
“Soy hijo de un periodista, un periodista de verdad, un tipo que dice la verdad. Mi padre sigue ahí fuera luchando por el bien”, dice Clooney. “Creo en ello. Creo en toda la idea de cómo funciona esto”.
El poder estelar de Broadway
Clooney es parte de un grupo estelar de veteranos de Hollywood que llegan a Broadway esta temporada, una lista que incluye a Denzel Washington, Jake Gyllenhaal, Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Jim Parsons, Sarah Snook y John Mulaney.
Clooney insistió antes de venir en que no quería ser el actor mejor pagado de Broadway. Fue como cuando hipotecó su casa y se pagó un salario de apenas un dólar para financiar la versión cinematográfica de “Buenas noches y buena suerte”.
“Para mí, es como pagarle a Patti LuPone más que a nadie en Broadway. Pagarle a alguien que ha pagado sus cuotas. No debería ser alguien que está haciendo su primera obra en Broadway”, dice. “No puedo hacer eso. No quiero ser parte de eso. No tiene sentido para mí”.
La taquilla para ver una entrada en el Winter Garden está al rojo vivo incluso antes de que comiencen los preestrenos, pero Clooney desvía la atención hacia Murrow: no soy yo, sugiere, es el personaje que está interpretando.
“Las palabras de Edward Murrow nos tranquilizan”, afirma. “Es un bálsamo para la locura. Y creo que a la gente le entusiasma estar en una sala y compartir algunas de esas conversaciones”.
'Sé cómo contar esta historia'
Clooney no ha hecho una obra de larga duración desde que obtuvo su tarjeta Equity en 1986 en Chicago como el actor cómico de “Vicious”, sobre el ícono del punk Sid Vicious. “La mayoría de los miembros del elenco con los que trabajo no habían nacido cuando hice mi última obra. Así que da miedo”, dice.
Pensó que había perdido su oportunidad en Broadway, un lugar en la lista de deseos de muchos actores. Ahora tiene 63 años y eso significaría desarraigar a su familia durante meses.
“He tenido éxito en mi carrera. No digo que no haya tenido éxito, pero no había hecho nada en Broadway y pensé que quizá era demasiado tarde”, afirma.
“Me habían ofrecido un par de obras para las que no creía que fuera el indicado y pensé que, si iba a hacerlo, debía hacer algo para lo que fuera adecuado. Y esta fue una oportunidad en la que pensé: 'Bueno, sé cómo contar esta historia. Puede que no haga un gran trabajo con ella. Ya sabes, puede que la arruine por completo, pero sé lo que se requiere de ella'”.
MARCO KENNEDY escribe y edita artículos sobre teatro, televisión, música, gastronomía y obituarios para The Associated Press, además de ser crítico de teatro, cine y música. Vive en la ciudad de Nueva York.
(Foto de Christopher Smith/Invision/AP, Archivo)

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