NUEVA YORK (AP) — ¡Nunca digas nunca! Justin Bieber sorprendió a sus fans el viernes con el lanzamiento de "Swag", su séptimo álbum de estudio, horas después de haberlo anunciado en vallas publicitarias y redes sociales.

Es su primer álbum desde “Justice” de 2021 y el primero desde que se convirtió en padre el año pasado.

“Inspirado por su devoción como esposo y padre, esta nueva era de la música ha alimentado una perspectiva más profunda y un sonido más reflexivo, dando como resultado parte de su música más personal hasta el momento”, dijo Def Jam Recordings sobre el álbum de 21 pistas.

El jueves, fans encontraron vallas publicitarias con la imagen de Bieber en Reikiavik, Islandia y Los Ángeles. El cantante también compartió imágenes de las vallas en su cuenta oficial de Instagram, junto con una lista de canciones que incluía títulos como "All I Can Take", "Walking Away", "Dadz Love" y "Forgiveness".

Recomendaciones para un nuevo álbum íntimo

Hay mucho que apreciar en las 21 pistas del íntimo "Swag". Aquí tienes algunos cortes selectos.

1. “Daises” — La segunda canción del álbum podría ser la más destacada; un ejemplo del R&B-pop alternativo de ritmo lento de Bieber, ahora anclado en una guitarra lo-fi. Aquí, su dulce voz se pronuncia con fuerza, justo lo que sus fans más fieles quieren escuchar.

2. “Devotion” con Dijon — Dijon es una voz emergente del R&B; algunos fans quizá conozcan su álbum debut de 2021, “Absolutely”, o su contribución a “SABLE, fABLE” de Bon Iver de principios de este año. Su colaboración en “Swag”, una dulce canción sobre el amor profundo, es excepcional.

3. “Go Baby”: Bieber se casó con la modelo Hailey Bieber (de soltera Baldwin) en 2018; ella ha sido durante mucho tiempo la inspiración de sus canciones más amorosas. “Go Baby” destaca por esa razón. “Esa es mi chica, es un icono”, abre la canción, “Funda de iPhone con brillo de labios”, en referencia a su marca de cuidado de la piel y belleza Rhode, que vendió a Elf Beauty en un acuerdo de mil millones de dólares.

4. “Walking Away”: El matrimonio no es fácil; eso queda claro en “Walking Away”, una canción un poco más animada donde Bieber deja clara su dedicación. Es la canción perfecta para bailar en la cocina con tu pareja.

5. “All I Can Take” - La canción inicial, “All I Can Take”, tiene un ritmo clásico: ecos de los primeros trabajos de Bieber, ahora madurados para reflejar su realidad adulta actual. Suena tan dulce como siempre en el pre-estribillo, con su declaración de “Ooh, nena, ¿no se siente bien? Nena, ¿no se siente bien? / Ooh, nena, ¿no se siente bien? No tienes que pensarlo dos veces”.

Bieber antes de “Swag”

Bieber, el cantante canadiense ganador de dos premios Grammy e ídolo pop que revolucionó el pop adolescente y la fama en redes sociales, es conocido por su sedosa voz de tenor pop R&B, demostrada en los discos "Baby", "Sorry" y "Stay" con Kid Laroi, éxitos de ventas de diamantes. Al principio de su carrera, siendo preadolescente, Bieber comenzó a trabajar con Usher y el influyente mánager musical Scooter Braun .

En 2023, Bieber vendió los derechos de su música —sus seis álbumes, incluyendo éxitos como «Sorry» y «Baby»— a Hipgnosis, una compañía de inversión musical con sede en el Reino Unido. Los detalles financieros del acuerdo no fueron revelados, pero la revista Billboard informa que la venta tuvo un valor estimado de 200 millones de dólares.

En agosto de 2024, Justin y Hailey Bieber anunciaron el nacimiento de su primer hijo, Jack Blues Bieber.

MARÍA SHERMAN es reportera musical de The Associated Press. Reside en la ciudad de Nueva York.

(Foto de Evan Agostini/Invision/AP)

NUEVA YORK (AP) — Hace cuarenta años, los legendarios conciertos Live Aid buscaban hacer mucho bien: ayudar a recaudar más de 100 millones de dólares para aliviar la hambruna en Etiopía e inspirar conciencia mundial sobre una causa que de otra manera podría haber ignorado.

Transmitido simultáneamente desde Filadelfia y Londres el 13 de julio de 1985, Live Aid fue el evento televisivo global más ambicioso de su tiempo: 16 horas de música en vivo en dos continentes diferentes con Queen, The Who, una reunión de Led Zeppelin y más.

Mucho ha cambiado desde entonces. «Desde el Live Aid del 85 hasta hoy, estamos tan lejos como la Segunda Guerra Mundial», comenta Rick Springfield entre risas. «Así de lejos quedó».

Los artistas que actuaron en Live Aid —Springfield, el organizador Bob Geldof, John Oates de Hall and Oates y Rob Halford de Judas Priest— reflexionaron sobre el evento y su impacto en entrevistas con The Associated Press antes del 40º aniversario el domingo.

Esto es lo que tenían que decir:

Reflexiones sobre un acontecimiento sin precedentes

En el Estadio John F. Kennedy de Filadelfia, Springfield actuó entre Run-DMC y REO Speedwagon, solo una muestra de la diversidad de artistas que formaban parte del cartel transnacional. "Recuerdo que, con Run-DMC, pensé: '¿Qué es esto? Tres tipos hablando por encima de un tocadiscos. ¿Qué es eso?'. No tenía ni idea de que estaba a punto de cambiarlo todo", dice riendo. Recuerda haber tocado un set eléctrico; no "Jessie's Girl", porque "en aquel entonces, era solo mi primer éxito... No se había convertido en algo cultural".

John Oates, de Hall and Oates, tuvo una experiencia diferente. Su banda también tocó en Filadelfia, su ciudad natal, y en 1985, era una de las más grandes del planeta. Tocaron casi al final de la noche, acompañados por Eddie Kendricks y David Ruffin de The Temptations, y permanecieron en el escenario para acompañar al dinámico líder de los Rolling Stones, Mick Jagger. La estrella de rock británica tenía un as bajo la manga.

"No nos dijo que iba a traer a Tina Turner ", dice Oates. "Habíamos ensayado varias canciones con él. Pero cuando la trajo, la energía se disparó de forma increíble".

El cantante de Judas Priest, Rob Halford, considera "Mike y Tina, por supuesto" como uno de sus momentos más destacados en el Live Aid de Filadelfia. "Led Zeppelin, también".

Pero lo más emocionante para el líder del heavy metal fue conocer a la heroína del folk Joan Baez. La banda ya había versionado su clásico "Diamonds and Rust".

“Pensé: 'Dios mío, me va a dar una paliza por arruinar su hermosa canción'”, recuerda. “Me dio un abrazo rápido y me dijo: 'Estoy aquí porque mi hijo me dijo: 'Si ves a Rob Halford de Judas Priest en el Live Aid de Filadelfia, ¿le dirías de mi parte que prefiero la versión de Judas Priest a la de mi madre?'. Fue una muestra de muchísima amabilidad”.

De Live Aid a Live 8 y más allá

Veinte años después de Live Aid, Geldof organizó Live 8, un proyecto aún mayor en la nueva era de Internet, con 10 conciertos que tuvieron lugar simultáneamente y en todo el mundo.

Si la tendencia continuara, debería haber otro evento este año. Cabe destacar que no lo hay.

Geldof afirma que esto se debe a que no se pudo celebrar un evento como el Live Aid en 2025. Cita las redes sociales como causa. En su opinión, la fragmentación algorítmica ha imposibilitado la creación de momentos musicales y activistas monolíticos. En cambio, considera que el panorama mediático actual refuerza "una cámara de resonancia de nuestros propios prejuicios".

Para que algo como Live Aid funcione, «se necesita el rock and roll como una creación de un movimiento social, económico y tecnológico», dice. «Y creo que la era del rock and roll ha terminado. ... Determinó cómo los jóvenes articulaban el cambio y el deseo de cambiarlo. ... Eso ya no es así».

Springfield coincide. "Creo que estamos demasiado divididos", dice. Cree que el mundo no podría ponerse de acuerdo sobre una sola causa que apoyar, ni siquiera sobre a qué músicos apoyar. "Nunca se podría hacer algo con la magnitud de Live Aid a menos que fuera una especie de iniciativa universal: 'Unámonos todos'".

“Nunca digas nunca, pero lo dudo mucho”, dice Oates. “El panorama de la música y el entretenimiento en general ha cambiado drásticamente”.

Señala como ejemplo "We Are The World", el sencillo benéfico de 1985 para combatir la hambruna en África, que incluía las voces de Michael Jackson, Willie Nelson, Bob Dylan, Ray Charles, Diana Ross, Stevie Wonder, Smokey Robinson, Paul Simon y muchos más. "Ni me lo imagino con las estrellas de hoy reunidas en un mismo lugar. Y además, ¿quiénes serían? ¿Cuántas canciones se lanzan cada día?"

Esperanza de que el legado de Live Aid continúe

Halford coincide con el otro. Existe un innegable "extremismo en el mundo ahora mismo", afirma, que dificultaría la realización de un Live Aid en 2025. Pero no lo cree imposible. Pone como ejemplo reciente el Fire Aid de enero —el concierto benéfico por los incendios forestales de Los Ángeles con Billie Eilish, Stevie Wonder y una reunión de Nirvana— .

Siempre habrá empatía por parte de la gente, y en las manos adecuadas, tal vez otro evento como Live Aid podría tener lugar. Fue un ejemplo humanitario tremendamente hermoso... que nos dio la oportunidad de hacer algo por nosotros mismos para ayudar.

MARÍA SHERMAN Sherman es reportera musical de The Associated Press. Reside en la ciudad de Nueva York.

Foto AP/Amy Sancetta, archivo)

Jack Nicholson no quería ir a los Oscar. Era 1976 y estaba nominado a mejor actor por "Alguien voló sobre el nido del cuco". La película de Miloš Forman , que celebra su 50.º aniversario con un reestreno nacional en cines el 13 y el 16 de julio, se había convertido en toda una sensación: la segunda película más taquillera de 1975, después de "Tiburón", y había recibido nueve nominaciones al Oscar .

Pero Nicholson no se sentía optimista. En cinco años, ya había sido nominado cinco veces. También había perdido cinco veces. Y le dijo a su productor, Michael Douglas , que no podía volver a pasar por eso.

“Recuerdo lo mucho que me costó convencer a Jack para que viniera a la ceremonia. Estaba muy reticente, pero lo logramos”, dijo Douglas en una entrevista reciente con The Associated Press. “Y luego, claro, perdimos los cuatro primeros premios. Jack estaba sentado justo delante de mí, se inclinó hacia atrás y me dijo: 'Ay, Mikey D, Mikey D, te lo dije'. Yo solo le dije: 'Aguanta'”.

Douglas, por supuesto, tenía razón. "Alguien voló sobre el nido del cuco" arrasó con los "cinco grandes": guion, director, actor, actriz y película, siendo la primera película en lograrlo en 41 años ("Sucedió una noche", en 1934), algo que solo "El silencio de los inocentes" ha logrado desde entonces. Esa noche fue uno de los muchos momentos de reivindicación para una película que nadie quería hacer ni distribuir y que, literalmente, ha resistido la prueba del tiempo.

“Este es mi primer 50.º aniversario”, dijo Douglas. “Es la primera película que produje. Tener una película tan perdurable, que le guste tanto a la gente, es una sensación maravillosa. Me trae muchos recuerdos maravillosos”.

La adaptación cinematográfica de la novela contracultural de Ken Kesey fue un momento decisivo para Douglas, un hijo de Hollywood que estaba atrapado en la televisión y encontró un salvavidas en el cine cuando su padre, Kirk Douglas, le dio los derechos del libro y de muchos de los entonces desconocidos actores como Danny DeVito y Christopher Lloyd.

DeVito fue, de hecho, la primera persona elegida oficialmente. Douglas, que lo conocía desde hacía casi diez años, llevó a Forman a verlo interpretar a Martini en el escenario.

Miloš dijo: "¡Sí! ¡Danny! ¡Perfecto! ¡El reparto!", dijo Douglas con su mejor acento checo. "Fue un gran momento para Danny. Pero siempre supe lo talentoso que era".

Un rodaje alegre

Aunque los temas de la película son desafiantes, a diferencia de muchas de sus coetáneas del Nuevo Hollywood, no fue un rodaje complicado ni mucho menos. Tuvieron sus inconvenientes (como que Forman se negara a mostrar los diarios del reparto) y dificultades más serias (descubrieron a mitad de la producción que William Redfield se estaba muriendo de leucemia), pero en general fue divertido.

“Nos tomamos el trabajo muy en serio, porque Miloš era muy serio. Y teníamos el material, el trabajo de Kesey, y la veneración por él. No lo tomamos con frivolidad. Pero nos divertimos mucho haciéndolo”, dijo DeVito entre risas.

En parte se debe a que filmaron en un hospital estatal en Salem, Oregón. Todos se alojaban en el mismo motel y subían al mismo autobús por la mañana para llegar al set. Habría sido difícil no conectar, y aún más difícil si no lo hubieran hecho.

“Había un compromiso total”, dijo Douglas. “Eso se logra cuando no regresas a casa por la noche a tu vida personal. Paramos a almorzar el primer día y vi a Jack apartar la bandeja y salir a tomar el aire. Le pregunté: 'Jack, ¿estás bien?'. Me preguntó: '¿Quiénes son estos? ¡Nadie se sale del personaje! ¡Es la hora del almuerzo y todos se comportan igual!'”.

Sin refutar el punto de Nicholson, DeVito recuerda que él y el elenco incluso preguntaron si podían dormir en el hospital.

"No nos dejaron", dijo DeVito. "En el piso de arriba había gente con graves trastornos mentales que había cometido un asesinato".

Un legado duradero

La película volverá a los cines el 13 y el 16 de julio de la mano de Fathom Entertainment . Se trata de una nueva restauración en 4K del Archivo de Cine de la Academia y Teatro Della Pace Films, con una introducción de Leonard Maltin.

“Es una impresión preciosa y me recuerda lo bueno que era el sonido”, dijo Douglas.

DeVito piensa que "se sostiene de una manera excelente, porque Miloš realmente prestó atención a todos los aspectos importantes del guion y de la historia original".

Aparte de la sorpresa de "¡Dios mío! ¿Soy tan viejo?", DeVito dijo que fue un tesoro formar parte de ello, y sigue viendo a sus viejos amigos, entre ellos Douglas, Lloyd y, por supuesto, Nicholson, quien interpretó al protagonista, RP McMurphy.

Una persona que Douglas cree que no ha recibido la debida atención por sus contribuciones a "Cuckoo's Nest" es el productor Saul Zaentz, fallecido en 2014. Su compañía musical, Fantasy Records, que difundió Creedence Clearwater Revival, financió el proyecto, que comenzó con un presupuesto de 1,6 millones de dólares y se disparó a 4 millones al final. Fue un jugador arriesgado, dijo Douglas, y le salió bien.

Y cualquier resentimiento que pudiera haber existido entre Douglas y su padre, quien interpretó a RP McMurphy en Broadway y soñaba con hacerlo en el cine, quizás fue exagerado. En última instancia, fue importante para su relación.

“McMurphy es uno de los mejores papeles que cualquier actor puede conseguir, y ya he avanzado lo suficiente en mi carrera como para entender que tal vez tengas cuatro o cinco buenos papeles, papeles realmente geniales. Estoy seguro de que para papá ese fue uno de ellos”, dijo Douglas.

No poder verlo hasta el final probablemente fue decepcionante por un lado. Por otro, ¿que su hijo lo hiciera y la foto saliera tan bien? Menos mal que salió bien. Habría sido un desastre si no hubiera sido así.

Douglas añadió: «Fue un cuento de hadas de principio a fin. Dudo que nada se le acercara. Ni siquiera mi Óscar al mejor actor años después superó ese momento al principio de mi carrera».

Lindsey Bahr ha sido escritor y crítico de cine para The Associated Press desde 2014.

Por  Lindsey Bahr

(Fathom Entertainment via AP)

Es un pájaro, es un avión, es un… ¿un compuesto químico morado y naranja que cambia de forma?

"Superman", del guionista y director James Gunn, siempre se imaginó una extraña química entre cineasta y material. Gunn, la mente detrás de "Guardianes de la Galaxia" y "El Escuadrón Suicida", se ha decantado constantemente por un universo de superhéroes de serie B, poblado (normalmente sobrepoblado) por los fenómenos, rarezas y grotescos menos conocidos de los cómics de ediciones anteriores.

Pero no hay nada más convencional que Superman. Y, admitámoslo, a menos que Christopher Reeve lleve el traje, el Hombre de Acero, con su mandíbula de piedra, puede ser un poco aburrido. Gran parte de la diversión y la frustración de la película de Gunn reside en ver cómo se esfuerza y ​​se esfuerza para hacer que Superman sea, ya sabes, interesante.

En la última renovación del superhéroe arquetípico, Gunn se esfuerza por mejorar la imagen de Superman (interpretado con naturalidad por David Corenswet ). Descarta la historia de origen. Le da a Superman un perro. Y no solo incluye a personajes habituales como Lois Lane (Rachel Brosnahan) y Lex Luthor (Nicholas Hoult), sino también a algunas opciones menos convencionales, como esa colorida mezcla de elementos: Metamorpho (Anthony Carrigan).

Metamorfo, un hombre melancólico y mutilado cuyos poderes nacieron de la tragedia, es solo uno de los muchos personajes secundarios de "Superman". Pero es el más representativo de lo que Gunn busca. Gunn podría preferir un héroe de aspecto tradicional como protagonista, como Star-Lord de Chris Pratt en "Guardianes de la Galaxia". Y Corenswet, con su cabello rizado, también luce perfecto. Pero Gunn siente pasión por los bichos raros que siguen adelante.

El peso de "Superman" es demostrar que el superhumano perfecto con una "S" en el pecho también es extraño. Es un benefactor en una época en la que ya nadie hace el bien.

No todo funciona en "Superman". Para quienes prefieren un Superman de dibujo clásico, la película de Gunn probablemente les parezca demasiado irreverente y caótica. Pero para quienes consideraron la administración anterior de Zack Snyder dolorosamente pesada, este "Superman", al menos, tiene pulso.

Sería difícil encontrar un cambio radical en la gestión de franquicias. Mientras que las películas de Snyder eran enfrentamientos míticos y superserios entre colosos, el "Superman" de Gunn es ligeramente terrenal, peculiar y sentimental. Cuando este Superman vuela, incluso mantiene los brazos hacia atrás, como un jinete de esqueleto olímpico.

No comenzamos en Kriptón ni Kansas, sino en la Antártida, cerca de la Fortaleza de la Soledad. Los títulos de apertura preparan el inicio media res. Hace tres siglos, los metahumanos aparecieron por primera vez en la Tierra. Hace tres minutos, Superman perdió una batalla por primera vez. Yaciendo ensangrentado en la nieve, silba y su fiel superperro, Kripto, llega corriendo.

Al igual que otros gags novedosos de Gunn (te hablo a ti, Groot), Krypto es a la vez un chiste destacado y un gag muy usado. Superman se encuentra en medio de una batalla por poderes con Luthor. Desde lo alto de su rascacielos, la sede de Luthor Corp., Luther da instrucciones a un equipo sentado frente a pantallas de ordenador mientras, con auriculares, ladra instrucciones de batalla codificadas a sus secuaces, asistidos por drones. "¡13-B!", grita, como un locutor de bingo.

Si esta es una localización ideal de los personajes principales en conflicto es un debate que se disipa un poco cuando, de vuelta en Metrópolis, Clark Kent regresa al Daily Planet. Wendell Pierce interpreta al editor jefe, Perry White, y Skyler Gisondo interpreta a Jimmy Olsen. Pero el personaje de verdadero interés aquí es, por supuesto, Lois.

Ella y Kent ya son pareja en "Superman". Cuando están solos, Lois lo reprende por la ética periodística de entrevistarse a sí mismo después de alguna hazaña, y cuestiona su viaje a países sin la aprobación de sus líderes. Brosnahan se adapta tan cómodamente al papel que me pregunto si "Superman" debería haber sido "Lois". Sus escenas con Corenswet son las mejores de la película, y la película pierde ritmo cuando ella no está.

Desafortunadamente, eso es por un tiempo considerable. Luthor atrapa a Superman en un universo de bolsillo (y aparece Metamorpho, entre otros) y los excéntricos miembros de la Banda de la Justicia —Linterna Verde de Nathan Fillion, Mister Terrific de Edi Gathegi y Hawkgirl de Isabela Merced— son llamados a echar una mano. Acuden a regañadientes. Pero si hay alguien más que se acerca a robarse la película, ese es Gathegi, quien responde al cataclismo cada vez más absurdo con una expresión irónica y seria.

El destino del mundo, naturalmente, vuelve a ser incierto. Hay una grieta en el universo, por no mencionar algunos problemas vagamente definidos en Boravia y Jarhanpur. En tales escenas, los malabarismos de Gunn son especialmente inquietantes y se puede sentir cómo la película se tambalea de un lado a otro. Normalmente, esa es la señal para que Krypto regrese a la película y se descontrole.

Gunn, quien ahora preside DC Studios con el productor Peter Safran , se desenvuelve mejor en conflictos internos que en política internacional. Los humanos suelen llamar a Superman "el kriptoniano" o "el extraterrestre", y Gunn se apoya en su condición de forastero. No es la primera vez que los oponentes de Superman intentan pintarlo como un extranjero poco confiable. Con un toque de actualidad, "Superman" es una historia de inmigrantes.

El impacto del toque idiosincrásico de Gunn variará inevitablemente. Puede ser extravagante y dulce, a menudo a la vez. En una conversación entre metahumanos, introduce una dona en la escena sin motivo aparente, y pasa de un cuerpo que cae por los aires a una pastilla de Alka-Seltzer que cae en un vaso. Algunos podrían considerar estos momentos superficiales, una etiqueta bastante justa para Gunn. Pero yo diría que hacen de este "Superman" agradablemente imperfecto algo bastante raro en el cine de superhéroes actual: humano.

"Superman", un estreno de Warner Bros., tiene clasificación PG (Apta para todos los públicos) de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por violencia, acción y lenguaje inapropiado. Duración: 129 minutos. Tres estrellas de cuatro.

Jake Coyle ha sido crítico de cine y ha cubierto la industria cinematográfica para The Associated Press desde 2013. Tiene su sede en la ciudad de Nueva York.

(Warner Bros. Pictures vía AP)